Sissel Blystad
Variasjoner 08.08 - 01.09 2019 Bærum Kunsthall har gleden av å invitere til Sissel Blystad sin utstilling Variasjoner. Blystad er en av Norges fremste tekstilkunstnere og har virket som tekstilkunstner i over 50-år. Hun er for de fleste kjent som skaperen av Norges kanskje mest sette billedvev, - billedteppet «Landskap» (2005) som henger i Vandrehallen på Stortinget. I 2002 la hun arbeidet med å veve store tekstiler bort, men fortsatte med garnrester fra tidligere produksjoner inn i en ny retning av tekstil. Gjennom hele karrieren har Blystad brukt Hoelfeldt Lund ryegarn, et tykt norsk garn som har blitt forbundet med gulvryer, som hun så har farget inn. Over årene har hun opparbeidet seg et arkiv av ubrukte tråder, som nå har fått nytt liv, og blitt til nye arbeider i et tekstilt kretsløp. Tråden limes på papp, som en tegnings strek, og danner nye former og dybde med sine variasjoner i farge. Som i Blystads tidligere vevnader er det arbeidet med det visuelle rommet som opptar henne her. Sissel Blystad (f. 1944, Oslo) har sin utdannelse fra Statens Håndverks- og Kunstindustriskole og Bergens Kunsthåndverksskole (1970). Hun har en høy utstillingsaktivitet i både inn- og utland ved blant annet Soft galleri, Oslo (2017), Hester, New York (nå Downs & Ross) (2016), Kunstgarasjen, Bergen (2016), Vestfossen Kunstlaboratorium (2014), Tidens Krav, Oslo (2014) og Kunstnerforbundet, Oslo (2002). Hun har deltatt på en rekke gruppeutstillinger og mønstringer, som The Armory Show 2018, New York, Statens Kunstutstilling, Høstutstillingen (17 ganger), og Vestlandsutstillingen (16 ganger), «Myke Monumenter», KODE, Bergen (2015), «Tefriss», Kvit Galleri /Felt Galleri i København og NADA Miami Beach (2016). Hennes verk er innkjøpt til flere offentlige samlinger, blant annet Norsk Kulturråd, Gullfaks B og C, Nordenfjeldske Kunstindustrimuseum, Universitetet i Bergen, Oslo kommune, Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design og KODE Kunstmuseer og komponisthjem, Bergen. 
Bertil Greging
EXIST 08.08 - 01.09 2019 Vi har gleden av å invitere til Bertil Greging sin utstilling EXIST i Bærum Kunsthall. Greging har markert seg som en betydelig billedkunster både gjennom maleri, tegning, collage og installasjon. I Bærum Kunsthall vil han vise en rekke nye tegninger og maleri. Greging ser på seg selv som en selvlært kunstner. Det er den intuitive prosessen som oppstår på atelieret som er hans drivkraft. Alene i skapelsen konfronteres han med sin egen eksitens. Motivene beveger seg i ulike stiluttrykk, fra det abstraherte til det abstrakte, ekspresjonistiske til det konseptuelle, hvor han benytter ulike teknikker innen maleri og tegning, med akryl, pastell, kull og oljestift. Den stramme monteringen av Gregings tegnigner i et rutenett referer til modernismens grid, og viser en kontrast til det kaotiske Greging dyrker i sine verk. Bertil Greging (f. 1957) har sin utdannelse fra Einar Granum Kunstfagskole og Westerdals Reklameskole. Han har hatt en rekke separatutstillinger ved blant annet Rod Bianco (2019, 2017), Kunstnerforbundet (2015), Tegnerforbundet (2015) og Galleri Trafo, Asker, (2007), samt deltatt i en rekke gruppeutstillinger ved blant annet Museet for samtidskunst, Nasjonalmuseet (2012), Statens Kunstutstilling, Høstutstillingen (14 ganger) og Norsk Tegnebiennale (2002). Hans arbeider er innkjøpt av blant andre Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design, Stortinget, Norsk Kulturråd og Norsk Hydro. Han har utført en rekke prosjekter i det offentlige rom for blant annet Bærum kommune og Ålesund sykehus. 
Ellen S. Holtskog
Interaksjon / Interaction 08.08 - 01.09 2019 I psykologien brukes begrepet interaksjon synonymt med samspill eller samhandling mellom mennesker. Med andre ord en vekselvirkning mellom to eller flere aktører som er i aktivitet med hverandre. Interaksjon kan innebære gjensidig forståelse og utbytte, men også konflikt, utbytting og manipulering. Ønsket om å påvirke hverandre stikker dypt hos oss mennesker. I utstillingen Interaksjon / Interaction viser Ellen S. Holtskog en rekke blyanttegninger, der fellesnevneren er abstrakte og organiske mønstre som virker som bakteppe for figurer i interaksjon med noe utenfor seg selv eller hverandre. I serien «Arguments» blandes det inn sitater fra ulike digitale diskusjonsforum der enkeltpersoner forsøker å overbevise fremmede om sin egen tro, mens tegningene i den nye installasjonen «Interaction» berører maktforhold i de helt nære relasjonene. Utstillingen omfatter også en serie større tegninger som selv om de visuelt henger sammen, har ulike titler. Interaksjon mellom individ og samfunn, mellom fortid og nåtid er temaer som berøres, som i tegningen «Facial Recognition» der Medusas fryktede skjønnhet er byttet ut med et rutenett for ansiktsgjenkjenning. Ellen S. Holtskog (f. 1976) bor og arbeider i Bærum. Holtskog er utdannet ved Statens kunstakademi i Oslo (Kunsthøgskolen 1999-2003) og Högskolan för fotografi (Göteborgs Universitet 2003-2005). Holtskog har tidligere vist arbeider ved blant annet Statens Kunstutstilling, Høstutstillingen (2004), Fotogalleriet (2006), Henie Onstad Kunstsenter (2015), Bodø kunstforening (2017), Kungsbacka konsthall (2013), Halmstad konsthall (2008), Göteborgs konsthall (2005) og Kulturhuset i Stockholm (2004). Holtskog er innkjøpt av blant annet Statens konstråd i Stockholm, Halmstad og Gøteborg kommune. 
Aleksi Wildhagen
Hvit Mann Faller (Flesh Tint Etc.) 06.06. - 30.06.19 Flesh tint er komponert for å etterligne den hvite hudfargen. Det er en masseprodusert farge som finnes der det selges akryl og oljemaling. Mange bruker fargen, selv om den blir sett ned på som en «billig» ferdigløsning til figurativt maleri. I de små plastdunkene kunstneren bruker for å blande farger startet han med Flesh tint, før andre farger ble blandet inn, alt ettersom hva slags hvithet huden og bildet skulle ha. Han ville fremstille huden kald, livløs og flat, men likevel estetisk sterk og vakker som farge i de figurative bildene. Flesh tint er et perfekt symbol på den strukturelle rasismen i samfunnet. Rasismen som Wildhagen, på lik linje med alle hvite mennesker, er en del av. Mange kimser nok av slike detaljer som Flesh tint, men om en ser seg rundt ser en også at det hvite som regel er malen. I tillegg bidrar han til den strukturelle diskrimineringen av kvinner, fordi han er en mann. I og utenfor likestillingsdebatten, er kvinnen svært ofte tillagt offerrollen, og med det underlagt mannens dominans. Blir hun pasifisert og underkastet mannen allerede fra starten av? Bildet av kvinnen som et rent, uskyldig og (hvitt) offer, lever i beste velgående, og likeså mannen som symbol på overgriperen og maktmisbrukeren. De fleste kan være enige i at det ikke er synd på den hvite mannen, men bør identiteten hans diskuteres mer? I rasismedebatten blir vel nødvendigvis den hvite kvinnen like mye «hvit mann» som mannen et onde i likestillingsdebatten? Prosessen med utstillingen begynte for Wildhagen med noen papirarbeider en gang i mars 2019. Deretter dukket det frem noen tanker om Flesh tints iboende rasisme og den hvite mannens fall. Dagen før påske oppstod en hvit mann i formatet 200 x 130 cm, noen uker senere var de blitt ni. Kunstneren ønsker at bildene blir beundret og fremfor alt diskutert for den aktuelle tematikken de skaper hos betrakteren hver i sær, og for deres innbyrdes estetikk og dialog seg i mellom. Aleksi Wildhagen (f. 1976) jobber med et sosialt engasjert og undersøkende maleri, hovedsakelig utendørs. Dette er hans første større solopresentasjon siden 2011 av arbeider basert på maleriprosesser innendørs. Wildhagen var med å etablere kunstnergruppen -& Co. som forøvrig består av Jens Hamran og Patrik Entian. Wildhagen har blant annet stilt ut ved Kunstnerforbundet, Haugar Kunstmuseum, Trafo Kunsthall, Tag Team Studio, Studio 17, og har mottatt en rekke stipender. Wildhagen skriver kunstkritikk for Morgenbladet signert Aleksi Mannila. Utstillingen er støttet av Kulturrådet og Billedkunstnernes Vederlagsfond 
Joakim Blattmann
Treverk (12) 06.06. - 30.06.19 Joakim Blattmann sitt arbeid med lyd spenner seg fra skulpturelle installasjoner og komposisjon, til audiovisuelle arbeid og konserter. Akustisk økologi, feltopptak og objekters iboende akustiske egenskaper er tilbakevendende temaer. «Treverk» er en serie installasjonsarbeider som Blattmann har arbeidet med siden 2012, og Bærum Kunsthall er nå glade for å vise nummer tolv i rekken. Utgangspunktet for installasjonene er lydopptak av små bevegelser og liv på innsiden av trær. Gjennom finurlig teknologi og elektronikk avsløres et skjult lydmateriale. Arbeidets lyddel er opptak av naturlige mekanismer det normalt ikke er mulig å høre, men som ofte omgir oss. I et tre vil bevegelser som små vridninger inne i trestammen eller fra insekter som lever under barken avgi lyd, men ofte i et så høyt frekvensområde, eller lavt volum, at vår hørsel ikke kan oppfatte det. I «Treverk» gjøres denne lydinformasjonen hørbar for menneskeøret. Trærne det har blitt gjort opptak fra, utgjør installasjonens skulpturelle del, og ved bruk av kontakthøyttalere festet til disse farges lydmaterialet av trestokkene før det når ut i visningsrommet. Fuktighetsendringer i installasjonens trær, styrer hvordan lydopptakene spilles av og “oppfører seg” i gallerirommet. Disse signalene avgjør intensiteten og variasjonen i lydverket, og hvilke lyder som sendes til hvilke kontakthøyttalere. Installasjonen er derfor i stadig endring. Joakim Blattmann (f. 1978) er utdannet ved Kunstakademiet i Trondheim. Han har tidligere vist arbeider ved blant annet Høstutstillingen, Østre - Hus for lydkunst og elektronisk musikk, Trondhjems Kunstforening / Meta.Morf Biennalen, Østlandsutstillingen, AMRO (AT), og ACUD Kino (DE). Sistnevnte i samarbeid med Clemens Wilhelm. Utstillingen er støttet av Billedkunstnernes Vederlagsfond 
Michael Iskander Sewandono
The Other Violence - Silence 06.06. - 30.06.19 The Other Violence is an ongoing series that investigates the moment a new reality occurs and attempts to capture the weight of this experience. I want to level and find the silence, and focus, that makes us part of the moment, an incident, or smaller: an aesthetic. I want the moment to be felt rather than understood. By suspending time, we can remove ourselves from the narrative and undergo the images in front of us. We can wander through an image. Stimulating new thoughts, rather than imposing meaning, I want the work to take a step outside itself, and detach it from its original narrative. Like a paused adventure game, where everything lives, but nothing moves and characters seem to be stuck in a moment that nobody watches. Many of the films in The Other Violence this project had its origin in literature. In this fragment by Albert Camus his characters find themselves surrendered by an overwhelming acceptance. Silence revolves around characters that seem to yearn for something, but almost suffocate by its abundance. “The bus had left only at dawn from the end of the rail line and for two hours in the cold morning it had been advancing on a stony, desolate, plateau which, in the beginning at least, extended its straight lines all the way to reddish horizons. But the wind had risen and gradually swallowed up the vast expanse. From that moment on, the passengers had seen nothing more; one after an-other, they had ceased talking and were silently progressing in a sort of sleepless night, occasionally wiping their lips and eyes irritated by the sand that filtered into the bus.” - Albert Camus, ’The Adulterous Woman’. Michael Iskander Sewandono (f. 1979) is born in The Netherlands. Sewandono studied at the Rietveld Academy in Amsterdam and the Escuela Internacional de Cine y Television de Cuba. His films have been screened at international film festivals and his art works have been part of group shows in a.o. Reina Sofia, Centre Pompidou and Haus der Kulturen der Welt in Berlin. He currently lives and works in Oslo, Norway. 
Bærumsutstillingen 2019
27. april - 19. mai 2019 Gratis omvisning og Artist Talk søndag 19. mai, kl. 14-16 Deltagende kunstnere: Ana Maria Lopez, Anne Berit Nedland, Anne Bruflot, Anne Kari Ødegård, Anne Liv Skjeggedal, Anne Wright Polmar, Benedicte Pedersen, Billie Thackwell, Camilla Gåre, Cathrine Bjørklund Simensen, Cathrine Gehrken, Christine Istad, Dorthe Søndergaard, Elisabeth Skovli-Næss, Ellen Marie Blakstad Paus, Emily Read, Emmy Harnes, Fröydi Laszlo, Gitte Magnus, Glen Farley, Heidi Grindheim, Hildur Björnsdottir, Justyna Anna Smolka, Karin Elisabeth Høie, Lilja Sighvatsdottir, Line Schjølberg, Marianne Broch, Marit Søndersrød, Martine Linge, Mona K. Lalim, Pippip Ferner, Sissel Johansen, Stina Gellein, Tobbe Malm Kråkfågel, Tone Hagen, Tore Wilhelmsen, Toril Rygh, Turid Gyllenhammar, Unn A. Schierenbeck, Vigdis Storsveen Bærumsutstillingen er en juryert utstilling for kunstnere/kunsthåndverkere tilknyttet Bærum, og arrangeres av Bildende Kunstnere i Bærum (BKiB). Bærum kommunes kunstpris deles ut på åpningen. Prisen skal være en påskjønnelse og stimulans for enkeltkunstnere eller grupper av kunstnere, som leverer det kunstverket til BKiBs årlige utstilling, som juryen mener bidrar til å skape kunstglede og opplevelse for kommunens innbyggere. Prisen er en æresbevisning i form av et diplom og kr 25 000, og deles ut for 20. gang. Vinneren får også tilbud om utstillingsplass i Bærum Kunsthall. Juryen besto i år av billedkunstnerne Helle Kaarem, Cecilie Broch Knudsen og Pekka Persson. 
Foto: Hedvig Winge, Stay, 2009-2019
Sement, gips, papir, tre, høybrent, lavbrent og ubrent leire, porselen, glasur, aske, knekkebrød, skimmel, mugg Utopian Paradise / Sublime Nature
Siri Austeen, Hans Edward Hammonds, Elisabeth Jarstø, Hedvig Winge 21. mars – 14. april 2019 Utstillingsåpning: torsdag 21. mars kl. 18 Artist Talk og Performance: torsdag 11. april kl. 18 (Performance ved Siri Austeen) Bærum Kunsthall er glade for å invitere til utstillingen Utopian Paradise / Sublime Nature med kunstnerne Siri Austeen, Hans Edward Hammonds, Elisabeth Jarstø og Hedvig Winge. Utstillingen tar utgangspunkt i menneskets og naturens tilknytninger, hvor kunstneriske refleksjoner omkring menneskets tilstedeværelse og relasjon til fenomener i samfunn og natur står sentralt. Utstillingen er kuratert av Elisabeth Jarstø. ”… bare følelsen av aktelse overfor det uendelige står igjen” skriver den franske filosofen Jean-François Lyotard når han omtaler Kants ”læren om det sublime”. Den britiske filosofen Timothy Mortons refleksjoner rundt «hyperobjekter» er nærliggende: objekter som strekker seg ut i tid, rom, og ikke kan sees eller berøres, men eksisterer. Som atmosfæren, universet eller klimaendringene. Vi kan kun nå disse objektene gjennom abstraksjon og kartlegging for å fatte virkeligheten. I Siri Austeens lydinstallasjon Det som beveges flytter seg ledes industrielt fremstilte halvfabrikata bort fra sin opprinnelige funksjon. Installasjonens visuelle og materielle fremtoning med tau, kabler, elektronikk og håndkolorerte glassflater er flettet organisk sammen som et forlatt scenisk tablå. Det lydlige materialet består av feltopptak i kombinasjon med vokale fragmenter og funnet lyd. Det som beveges flytter seg er et romlig og visuelt verk inspirert av framtidsvisjoner om holistiske livsmåter; kunst som biotop, kull som jordas korall, jordsmonn som scene. Hedvig Winge har arbeidet med stedsspesifikke installasjoner med utgangspunkt i leire. Forvitring skaper og understreker et nærvær i skulptur, objekt og installasjoner. Disse er intens, men flyktig, ofte knyttet til tid og sted. I Bærum Kunsthall vil hun ved undersøkelser i organisk materiale og gips, betong og leire, la variabler som flamme, varme, mugg og skimmel være medskaper i prosessen. Elisabeth Jarstø utforsker koblingen mellom individets skjørhet og det større makrobildet (samfunn, kultur, natur), der natur og dens fenomener benyttes som metaforer av samtiden. I Jarstøs videoarbeid Tagal, lydløs, ordløs, uhørlig, stum møter vi langsomme sort/hvitt bilder av urskog/ urdyret og organisk støylyd som omdannes over tid og som tematisk underbygger hennes skulpturelle objekter i bronse og papir. Arkitektoniske objekter, i spennet mellom konstruksjon og dekonstruksjon, bygges på repetitive prinsipper fra naturens grunnformer. Hans Edward Hammonds utforsker menneskets relasjon til naturen, og menneskets egen natur. Dette gjør han gjennom kunstneriske sosiale og tverrfaglige prosjekter hvor både barn og voksne er involvert. I sine stedsspesifikke installasjoner tar Hammonds utgangspunkt i naturkreftene, og bearbeider disse i kobling med medium som video, foto, lyd og performance. Med tema som eksistensiell erkjennelse viser kunstneren i videoarbeidet Irreversibel en tilnærming i form av video/bilde, tekst og installasjon. 
It's (in) our Nature
Marte Aas, Ragna Misvær Grønstad, Anders Kjellesvik, Rita Marhaug, Daniel Persson, Hedvig Thorkildsen 14.02.19 – 10.03.19 Mangfoldiggjørelse er uløselig knyttet til så mange av våre livsområder. Vår grunnleggende mangfoldiggjøring er selvsagt knyttet til den genetiske reproduksjonen, vår natur. I et kulturhistorisk perspektiv er bilde- og skrifttegn de fremste reproduserte «objektene». Vi skal selvsagt ikke undervurdere mursteinens rolle, men skriftens og bildets kunnskapsakkumulerende posisjon har en særstilling. Verden er mangfoldig og kompleks. Kunsten både speiler og er en medskaper av denne virkeligheten. Den enkelte kunstner opererer innenfor sitt interessefelt der noen beskjeftiger seg med «auratiske» perspektiv, mens andre utfolder seg i det brede feltet som strekker seg mot massekommunikasjonens millioner av «likes». Å skape variasjoner over et bildetema er en integrert, selvsagt metode for mange kunstnere. Uavhengig av medium har det gjentagende, repeterende, kanskje på grensen til det mediterende, blitt undersøkt. Aas, Misvær Grønstad, Kjellesvik, Marhaug, Persson og Thorkildsen viser ved utstillingen i Bærum Kunsthall sammensetninger av verk fra individuelle kunstprosjekter. Rettet mot felles tematiske berøringspunkter utforsker de friksjon, repetisjon og mangfold. Utstillingens utforming består av grafiske verk, installasjon og video. Marte Aas (f.1966) bor og arbeider i Oslo. Aas arbeider med fotografi, installasjon, plakatbøker og film. Hun viser særlig interesse for plasser og fenomener som befinner seg i skjæringspunktet mellom by og landsbygd, kultur og natur, og det kjente og ukjente. http://www.marteaas.com Ragna Misvær Grønstad (f. 1984) bor og arbeider i Bodø. Misvær Grønstads arbeider er plassert i undervanns-landskap. Tematisk utforsker hun temaer som virkelighetsoppfattelse, individenes frigjøring og samfunnskritisk tenkning. Viktige uttrykk er tresnitt og kobbertrykk. http://ragna.no Anders Kjellesvik (f. 1980) bor og arbeider i Oslo. Kjellesvik arbeider med maleri, skulptur, grafikk og performance, enten individuelt eller i kunstnerduoen aiPotu. Han bearbeider samtiden gjennom et poetisk, humoristisk og dystopisk visuelt språk. Utopiske ideer, politiske motsetninger, gjenbruk, aktivisme og romlighet er noen av temaene som utforskes. http://www.anderskjellesvik.com Rita Marhaug (f.1965) bor og arbeider i Bergen. Hennes bilder problematiserer ofte persepsjon og har gjerne en fortellende karakter. Viktige uttrykk er grafikk, tegning, foto, kunstnerbøker, video og performance. https://www.ritamarhaug.com Daniel Persson (f.1974) bor og arbeider i Bergen. Han har gjennom to tiår hatt et fokus på det fotografiske, først gjennom sort-hvitt analogt fotografi, senere med en forskyvning over i en visuell diskusjon mellom fotografi og grafikk. I sitt kunstnerskap ser han etter noe universelt og forenklet. Tematisk undersøker han ideen om identitet, sted og kontekst gjennom landskapet som visuell fortelling. http://www.danielpersson.no Hedvig Thorkildsen (f.1982) bor og arbeider i Bergen. Tematisk kretser hennes arbeider rundt forhold mellom resurs og forbruk, mennesket og naturen. Hennes arbeider oppstår ofte ut i fra utforskende prosesser med ulike materialers praktiske, visuelle og assosiative funksjoner. Hun arbeider med forskjellige medier som grafikk, video, lyd og installasjon. http://www.hedvigthorkildsen.no Utstillingen er sponset av: Norske Grafikeres Fond 
Ruination
Ove Kvavik 14.02.-10.03.2019 Ove Kvavik arbeider innen en rekke medier. Mange av arbeidene tar for seg konflikten mellom personlig- og institusjonell identitet. Han tar ofte utgangspunkt i velkjente motiver som han rekonstruerer, slik at de mister sine originale meninger. Det som er igjen virker både velkjent og absurd, og det stiller spørsmål til vår evne til å forstå oss selv. I utstillingen Ruination vises video som er laget ved hjelp av kopimaskin. Teknikken består i å kopiere et bilde, for så å lage en ny kopi av kopien. Denne prosessen gjentas ca. 50 ganger, til bildet ikke lenger er gjenkjennbart, og kun støyen av kopimaskinens gjentagende feil er igjen. Alle kopiene blir så scannet og animeres sammen i et videoredigeringsprogram. Motivene i videoen synliggjør tre forskjellige ruiner forårsaket av naturkatastrofer eller krig, den første av orkanen Sandy som herjet i 2012 og forårsaket massive ødeleggelser, dernest krigen i Syria som var på sitt verste i 2012 og sist Angkor Wats, Kambodsjas mest fremtredende nasjonalsymbol, sitt forfall over tid. Hendelsene er hentet fra ulike aviser de seneste årene. Det siste motivet i serien er maleriet Ancient Rome, malt av Giovanni Panini i 1757. Som et tidsbilde avbilder maleriets motiv mange titalls malerier av antikkens Roma i et og samme maleri. Musikken til arbeidet er komponert av Jarle Kvamme. Ove Kvavik (f. 1985) er utdannet ved Konsthögskolan i Malmö og Kunstakademiet i Trondheim. Han har hatt en rekke separat- og gruppeutstillinger i både inn- og utland, blant annet ved Sørlandets Kunstmuseum, Kunstnernes hus, Akershus Kunstsenter og Northen Gallery of Contemporary arts. Hans arbeider er kjøpt inn av blant annet DLA Piper og NRK. ovekvavik.com Jarle Kvamme (f.1981, Bergen) har en MA i Billedkunst fra Kunst- og designhøgskolen i Bergen (2012), og en BA i Billedkunst fra Kunstakademiet i Trondheim - NTNU (2009). 
Time is a ship that never casts anchor # Willy Bangsund (Storskog 2015) © Karoline Hjorth & Riitta Ikonen
Karoline Hjorth og Riitta Ikonen
Time is a ship that never casts anchor 10.01 – 03.02.2019 The Norwegian-Finnish artist duo Karoline Hjorth and Riitta Ikonen has since 2014 portrayed a range of Barents citizens with ties to Øst-Finnmark in a series of portraits encompassing photography, wearable sculpture and text. Time is a ship that never casts anchor is produced in conjunction with the construction of New Kirkenes Hospital, in a region frequently acknowledged as a geopolitical hotspot. The driving force behind this series is a democratic dissemination of history with community interaction at its core: The artists have collaborated with female Sami reindeer herders, detonation workers, organic fish farmers, mayors, midwifes, wrestling coaches, taxi drivers and local peace workers amongst others. As contemporary witnesses to the many changes in the Barents region, each contributor is portrayed inhabiting the landscape in wearable sculptures made from materials found in their immediate surroundings, with an aim to encourage new perspectives on a region which continues to be transformed by changes in nature, geopolitical lines as well as historical and cultural influences. * We would like to thank Harard Gaski for lending the title 'Time is a ship that never casts anchor' from his book of Sami proverbs. Karoline Hjorth & Riitta Ikonen have collaborated since 2011 on several projects, including Eyes as Big as Plates (2011 -), The World in London (2012), The Lumber Room (2013), Time is a ship that never casts anchor (2014-18) and People of Dronningens gate (2018). Their work has been shown at institutions like The Royal Academy of Arts (London), Museum of Contemporary Arts Kiasma (Finland), The Chimney NYC, Pioneer Works/ Recess (NYC), Bogota International Photo Biennale (Colombia), Fotogalleriet (Oslo) Shoot Gallery (Oslo), and Trøndelag senter for samtidskunst (Trondheim). Their recent publication Eyes as Big as Plates was nominated for Paris Photo-Aperture Foundation Photobook Awards 2017 and won gold for best cover in Årets vakreste Bøker 2018. Their collaboration continues in 2019 with new works and exhibitions planned in Tasmania, Outer Hebrides and Tanzania. Karoline Hjorth (b.1980) is a Norwegian photographer, artist and writer. She completed her BA Photographic Arts and MA International Journalism from the University of Westminster (London) in 2009 and she exhibits and works internationally. Her first book Mormormonologene (Press) was published in 2011, followed by Eyes as Big as Plates (Hjorth & Ikonen, Press 2017) and Time is a ship that never casts anchor (Hjorth & Ikonen, Mesén/ Finnmarkssykehuset 2018). Her upcoming book, Algoritmeanekdoter (Press) will be published in February 2019. Finnish artist Riitta Ikonen (b.1981) graduated from the Royal College of Art in 2008, with an MA in Communication Art. Ikonen's work, encompassing wearable sculptures, performance and photographs has since been in curated solo and group exhibitions in Kiasma, Tate Britain, NADA Miami, and London 2012 Olympic Park amongst others. She was nominated for Ars Fennica, Finland's biggest art price, and exhibits, lectures and performs internationally. https://karolinehjorth.com/ http://www.riittaikonen.com/ https://newkirkeneshospital.com/ www.eyesasbigasplates.com https://www.peopleofdronningensgate.no/ 
Foto: Jan M. LillebøKari Hjertholm
Skjør kraft 10.01 – 03.02.2019 I utstillingen Skjør kraft viser Kari Hjertholm tekstile arbeider som vaker mellom en påståelig kraftfullhet og et transparent og nesten tynnhudet utrykk. Når Hjertholm former sine arbeider «lytter» hun seg frem til en visuell klang. Tusenvis av små løkker av syltynn tråd fanger lyset, og et vekslende spill oppstår ettersom betrakter beveger seg i rommet. Slik ønsker Kari Hjertholm å fange folks oppmerksomhet. Et arbeid i stort format på veggen fanger blikket. Sett forfra trer en mørk bakgrunn frem, med varierende glimt av rødt i verkets folder. Sett fra siden blir det tent i glødende rødt. Det kan kanskje karakteriseres som vakkert, samtidig med en urolig undertone. Som en kontrast henger en delvis transparent søyle fra taket. En søyle skal være stabil og holde et bygg oppe. Denne søylen er ikke forankret til gulvet, og materialet er tekstilt. Tankene kan gå til krigens eller terroristers ødelegging av minnesmerker. Det vi trodde var stabilt, vakler. En annen form ligger på gulvet, som et skjørt objekt, i tekstilt materiale. Kari Hjertholm (f. 1954) har sin utdannelse fra Kunsthåndverkskolen og Kunstakademiet i Bergen, og to år ved Valands Konsthögskole i Göteborg. Hun har mottatt en rekke stipend, bl.a Statens Garantiinntekt (nå Statens seniorstipend) fra 2001. Tekstile arbeider er kjøpt inn til Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design og KODE. Hun har hatt flere utsmykkingsoppdrag, bl.a for Vestfold Fylkeskommune, og i Skien. Hjertholm har vært aktiv utstiller med flere separatutstillinger i Oslo, Bergen og andre byer i Norge. Av gruppeutstilliinger kan nevnes på KODE, Høstutstillingen fem ganger, og Galleri F-15 i Moss. De siste årene har hun vist arbeider utenlands; i Sverige på tekstilmuseet i Borås, og 'Nordisk Salong 2017' i Helsingborg. Sist sommer deltok hun på 'Contextile 2018' en internasjonal textilbienale i Portugal. 
Tina Lindvall
Trår nærmere, lukker øynene, for å se 10.01 – 03.02.2019 Gjennomsiktig, skjørt, men robust og tydelig på èn gang. Skarpt og konkret står det sammen med de tynne små detaljene og danner i samspill et lite samfunn av informasjon, bestående av små deler av det som på en måte er mye større enn oss. Er det her det sanne bildet trer frem, eller er det imellom, her borte, litt lengre til venstre? Kanskje litt opp mot høyre igjen, eller må jeg på avstand for å få et samlet bilde. Jeg trår nærmere, lukker øynene, for å se. Kunne tatt flere skritt tilbake, som for å summe meg, stoppe opp, kanskje til og med klatre opp, skaffe meg oversikt, få tingene på avstand for å se bedre. Finne fokus, på avstand. Finnes fokus? Et såkalt «center of attention». Kan man velge hvor man sentrerer dette punktet. Er det er punkt, et fysisk punkt. Om man flytter dette senteret, la oss si, litt oppover, vil man da også flytte den tilhørende informasjonen i samme retning? Om det er en slags sirkel rundt dette «center of attention», (som en ramme for innhold) så vil vel konteksten også automatisk forandre seg om man flytter senteret. Må jeg oppfatte og erfare det samlede bilde for å kunne forstå noe som helst? Kan sannheten ligge i de skjulte detaljene, eller vil de alltid bare fortelle meg en brøkdel av historien. Hvor stor er en fortelling sett på kloss hold? Jeg tar ett skritt nærmere, lukker øynene, for å se. Vel, slike tanker surrer jeg rundt med i min hverdag, mens jeg prøver å betrakte og erfare hverdagens detaljer, noen ganger på avstand, andre ganger tettere på det synlige usynlige, det fremtredende skjulte, de forbipasserende stadig forbigåtte glemte detaljene, informasjonen på overflaten og informasjonen i det skjulte, det oversette, det passerte, det vi lukker øynene for - fordi vi velger å se. Informasjonen under enhver overflate, rundt enhver presentasjon av fakter, inni sirkelen, kontekst og tingens egen visualisering, et fenomen i seg selv, et fenomen som underlag, plattform, plattform for egne kolonier av levende sammenhenger, ringvirkninger og midlertidige skjøre sannheter som smelter sammen og tvinner seg inn i alt av liv, inn i mitt tankesett, skaper røde tråder i alle retninger, hvorfra jeg skal nøste ut mine egne veier. Tina Lindvall (f.1976, Tromsø) er en Oslo-basert kunstner som arbeider hovedsakelig med installasjon, skulptur og videoprojeksjon, ofte kombinert med lydverker. Lindvall tok sin bachelorgrad ved Kunstakademiet i Tromsø, (2011) og sin MFA ved Kunsthøyskolen i Oslo, (2015), hvor hun også deltok på workshops i Berlin, Skoki / Polen og Hamburg. Kunstneren var artist in residence på PAF i Frankrike i 2009, og har ellers en bred erfaring fra kunstfeltet. Hennes kunstneriske praksis omfatter mange gruppeutstillinger i Skandinavia, samt juryerte utstillinger som «Nord-Norsken», «Forårsudstillingen» på Kunsthal Charlottenborg (DK) samt Stipendutstillingen ved Kunstmuseet Nord-Trøndelag i 2017. Lindvall har hatt soloutstillinger i både Danmark, Sverige og Norge, sist ved Carl Berner Prosjektrom, Oslo (2016), Galleri Snerk, Tromsø (2016) og to One Night Only-prosjekter på Bærum Kunsthall og Galleri BOA, Oslo (2017). Lindvall arbeider bl.a. som kurator for Sommerøya festivalen og har mottatt stipend fra Norsk Kulturråd (2015 og 2016). Tina Lindvall ble i 2017 tildelt Bærum Kommunes Kunstpris for sin skulptur Transparent respons. I den anledningen ble hun tildelt denne solo-utstillingen i Bærum Kunsthall. 
Billedtekst: Trykk oppe til venstre av Einar Aarø, tegning nede til venstre av Ingrid M. Ekrem, billedvev i midten av Randi Bjerkås Lyngra og maleri til høyre av Britta Skaar.
100–70
Bærum Bildende Kunstneres medlemsutstilling med verker fra 30-tallet frem til i dag. 22. november – 16. desember 2018 Utstillingsåpning torsdag 22. november fra kl. 18 - 20. Vi i BKIB-styret ønsker i denne utstillingen å fremheve våre eldste medlemmer som er mellom 70 – 100 år. I motsetning til mange andre som har mest fokus på unge talenter går vi motsatt vei. Vi ønsker å trekke linjer tilbake til det kunstneriske uttrykket som var gjeldende fra 40-tallet frem til i dag. Mange av de deltagende kunstnerne er aktive som kunstnere fremdeles og har stor utstillingsaktivitet. Tre av våre medlemmer har dessverre gått bort i år, mens vi arbeidet med utstillingen. Bergljot H. Ørjansen rakk å velge ut bildene selv rett før hun døde. BKiB har ca. 80 medlemmer i alle aldre. Vi ønsker også at de unge medlemmene skal bli kjent med de eldres kunstnerskap. Deltagende kunstnere: Gerd Bjerkfelt Ingrid Mjøen Ekrem Gjertrud Hals Sverre Hoel Turid Juve Ingerid Krane Alison Leggat Anne Lindvik Randi Bjerkås Lyngra Irene Mørck Helge Røed Britta Skaar Jean Louis Tarrou Bergljot H. Ørjansen Einar Aarø Britta Skaar blir 100 år i desember, og hennes arbeider vil bli vist i en separatutstilling i prosjektrommet. Vi har valgt ut et bredt spekter av Britta Skaars kunstneriske uttrykk. Tegning, maleri, grafikk og foto fra flere tiår er håndplukket i samarbeid med kunstneren selv. Britta Skaar startet sin kunstutdanning i 1937. Ønsker du å se flere av hennes verk vil Britta Skaar lansere en egen nettside i forbindelse med utstillingen. Anne Lindvik, Bergljot H. Ørjansen og Helge Røed som alle gikk bort i år, er også representert i utstillingen. Geir Esben Østbye (film med Helge Røed).
Margarida Paiva - Film screening
Onsdag 14. november kl. 18:00 Bærum Kunsthall inviterer til Film screening av tre verk av Margarida Paiva. Tematisk kretser Margarida Paivas produksjon rundt sinnstilstander, lengsel, melankoli, traumer og isolasjon. Ledetråden i de tre utvalgte verkene er en kontinuerlig refleksjon over en eksistensiell ensomhet. Invisible Other, 2016 (23:45 min) viser ulike personer i en park som er usynlige for hverandre mens de samtidig sanser hverandres nærvær gjennom lydene de lager. Traversings, 2017 (15:53 min) består av fem videoer som fremstiller situasjoner om mennesker fanget i sin egen mentale tilstand. A Place of Belonging, 2018 (15:00 min) er en dokumentar om hvordan minner om stedene vi opplever er avgjørende for å forme vår selvfølelse og identitet Margarida Paiva (f. 1975, Portugal) er bosatt i Oslo og har sin utdanning fra Kunshøgskolen i Oslo. Hun jobber hovedsakelig med film og har vist arbeider i en rekke utstillinger og filmfestivaler, bl.a. ved ROM for Kunst og arkitektur, Oslo Museum, Trafo Kunsthall, Nordnorsk Kunstnersenter, Akershus Kunstsenter, Galleri F15, Galleri BOA, MELK Galleri, og Grimstad Kortfilmfestival. Paiva har også vist arbeider internasjonalt, bl.a. ved Kassel Documentary Film and Video Festival, Kino Der Kunst i München, og Werkstatt der Kulturen i Berlin. 
NEON ARGON KRYPTON
Jeannette Christensen, Josefine Lyche, Nina Bang, Siri Hermansen, Trude Westby Nordmark, Lars Ø Ramberg, Michael O’Donnell, Per Hess, Risto Holopainen 11. oktober – 11. november 2018 Utstillingsåpning torsdag 11. oktober kl. 18 - Risto Holopainen & Per Hess vil fremføre lydverket Neonmeditasjoner under åpningen. NEON ARGON KRYPTON er den første gruppeutstillingen med neonteknikk som arrangeres i Norge, og den løfter frem et knippe av våre fremste kunstnere som arbeider med neon som materiale og teknikk. Som med mange andre materialer benyttet i moderne kunst er ikke neon opprinnelig et kunstnermateriale. Kunstnere tok over materialet fra en kommersiell bruk på 50-tallet. Forandringen i bruk skjedde parallelt med en ny og utdypende interesse for lys og farge, både som fenomener, og som et område underkastet forskning og praktisk bruk. Det var de to franske ingeniørene Georges Claude og Jacques Fonseque som lagde det første neonskiltet for en barbersjappe i Paris i 1914, bare 14 år etter at neon var oppdaget. Claude og Fonseque fylte et hult glassrør med neon og koblet hver ende til pluss og minus på en elektrisitetskilde. Den elektriske strømmen gjennom den fargeløse gassen fikk den til å gløde rødt. For å fremskaffe flere farger ble andre gasser benyttet, argon for blått og krypton for grårosa. Firmaet Claude Neon som de to oppfinnerne drev sikret at bruken av neon kun var tilgjengelig i kommersielt øyemed, og i 1923 ble neonskilt lansert i USA hvor de hurtig ble symbolet på det nye Amerika som verdens ledende på kapital og økonomi. Helt fra Las Vegas ble legalisert for pengespill i 1930 fikk bruk av neonskilt en enorm utbredelse. Las Vegas ble himmel og helvete i lyset fra neon, både et himmelsk gloria og et forfallets glorete sted. Bruk av neon som et selvstendig kunstmedium hadde derfor liten utbredelse før 1950 da patenten fra Claude Neon gikk ut, og i løpet av de siste 65 år har bruk av neon i kommersiell sammenheng gått kraftig tilbake til fordel for LED og andre lyskilder. Neon forbindes derfor i dag først og fremst med kunst. I dagens kunstverden som er åpen for at kunstnerskap og bruk av materialer er mer prosessuelt betinget, brukes neon i sammensatte kombinasjoner og installasjoner hvor symboler og tekster fremheves med lys. At neon velges fremfor andre lyskilder, viser at det myke neonlyset er like fascinerende i dag som da man først tok det i bruk. Utstillingen er initiert av Per Hess. Utstillingsperiode: 6. september – 30. september 2018
Holt - Stig Marlon Weston
Utstillingen Holt handler om å se med alle sansene og å la naturen overstyre det bevisste menneskelige blikket. I nattemørket, under lyset fra månen, har Weston utforsket stiene i Østmarka og brukt skogen som et utendørs mørkerom. Ved å henge opp analog film i store og små størrelser mellom trærne, kan landskapet eksponere seg selv. Rifter og merker fra greiner, kulde, fuktighet og skiftende værforhold blir like mye en del av bildene som trærnes form. Filmene fanger lyset og skyggene direkte uten at de går gjennom en linse eller et kamera. Når bildet på den måten lages av seg selv, fremstår arbeidene som et direkte avtrykk av de fysiske forholdene og den psykologiske opplevelsen av stedet. Utstillingen kan trekke assosiasjoner til vitenskapelige kjemi-prøver på papir eller minner som ikke kan ordlegges. Ferdig fremkalt bruker Weston filmene til å lage kontaktkopier. Skyggene fra barnåler og trestammer blir da gjengitt i naturlig størrelse og opplevelsen av bildene gjenskaper den fysiske virkeligheten direkte, slik den kan oppleves der og da, uten beskrivende språk. Stig Marlon Weston (f. 1974) har arbeidet som fotograf siden 1998, da han startet studiokollektivet CYAN studio i Oslo. Han har deltatt ved Høstutstillingen og Østlandsutstillingen og stilt ut internasjonalt. Prosjektet Holt sprang ut av et samarbeid med den tyske fotokunstneren Denise Winter. Utstillingen er støttet av: Norsk Fotografisk Fond 
Uplands - Kristina Kvalvik
Som et kortspill utfolder landskapet seg i videoinstallasjonen Uplands. Tre ulike landskapsbilder settes opp mot hverandre og danner til sammen et imaginært landskap. Prosjektet handler om det arktiske landskapet og setter søkelys på et framtidig dystopisk univers. Tundraen er et fullstendig flatt område uten trær og ens fotspor setter avtrykk i århundrer. Lite kan overleve i dette høylandet, hvor distanse, skala og perspektiv oppløses. Hva er et liv i denne uendeligheten og hvem kan bo her? I en rytmisk videoinstallasjon, hvor vi ser spor etter mennesker, aner vi en mystikk og poesi. Lyden er produsert av Pål H. Lillevold og kombinerer fiktive landskaps-lyder med en tidvis melodiøs klangbunn. Lydbildet er tungt og suggerende, man kan nesten føle hjerteslag på inn- og utpust. Bildene fremstår nærmest kroppslige, man kan ane ansikter i fjellene, naturen får en personlighet. Bildene dirrer og man får en følelse av at noe skal skje. Kristina Kvalvik (f. 1980) har studert film og kunst i Norge, Sverige og Canada, og fullførte sin MFA ved Konsthögskolan i Malmø 2008. Hun har stilt ut ved en rekke institusjoner i både inn- og utland, blant annet ved Göteborg International Biennial for Contemporary Art (SE), Overgaden. Institut for Samtidskunst (DK), Galleria Muratcentoventidue (IT), CFF - Centrum för fotografi (SE) og Vigeland-Museet (NO). Pål H. Lillevold (f. 1978) har bakgrunn fra musikk og lyd i ulike formater. Utstillingen er støttet av: Atelier Nord og Bildende Kunstneres Hjelpefond 
Høsten og de døde roser - Kai Tormod Hansen
Skjønnheten og døden er evigvarende temaer i kunsten. Fotografier av døde planter, botanikkens høst, er tema for utstillingen Høsten og de døde roser. En større del av utstillingen er viet rosen. Rosen som er vakrest i blomstring er også fascinerende i forråtnelsen. Hver rose blir en nype. Hver nype henger blant tornene mens den sakte løses opp. Deres ulike former og farger blir presentert på en helt ny måte i disse bildene. Serien om rosenes død er inspirert av Henrik Wergelands mange dikt om roser, som han skrev om på sitt dødsleie. Kai Tormod Hansen (f. 1964) har base i Oslo. Han har lært fotografering gjennom workshops med en rekke norske og utenlandske fotografer. Hansen jobber hovedsakelig med naturfotografering av planter og blomster i studio . Han har vært med i en rekke separat- og gruppeutstillinger, blant annet ved Fotografiens Hus i Oslo (NO), Helsinki Fotofestival (FI) og Preus Fotomuseum (NO). Utstillingsperiode: 2. august – 26. aug 2018
Vertical Variations - Michael Johansson
De siste årene har Johansson hatt som drivkraft å befri objekter fra sin funksjon. Gjennom repetisjon, forskyvning av perspektiv og nye funksjoner setter han spørsmålstegn ved betrakterens tolkning av det unike. I utstillingen Vertical Variations på Bærum Kunsthall vises en serie verk som rommer komprimerte verdener fra en svunnen tid, og som med noen enkle grep stiller spørsmål rundt historie, liv og rom. Ved å føre inn velkjente gjenstander i ett nytt homogent system som snur og vrir på den opprinnelige meningen utforsker Johansson forskjellige måter å fortelle en historie på. Michael Johansson er født 1975 i Trollhättan i Sverige og holder til i Berlin. Han tok etter studier på Kunstakademiet i Trondheim og Kunsthochschule Weissensee i Berlin sin mastereksamen på Konsthögskolan i Malmö i 2005. Han har de siste årene hatt en omfattende utstillingsvirksomhet både i Norden og utenlands, og har blant annet hatt separatutstillinger på Vigelandmuseet og Museum Voorlinden (NL), samt deltatt på utstillinger på Royal British Society of Sculptors (UK) og Moscow Museum of Modern Art (RU). Denne utstillingen har fått støtte av Kulturrådet. 
Constructive Melancholies - Fredrick Arnøy
Bakgrunnen for utstillingen “Constructive Melancholies” er Arnøys siste års arbeid med malerier av trekonstruksjoner. Det begynte med en merkverdig skulptur, satt sammen av planker, resirkulerte materialer og funnede gjenstander. Som om noen hadde mistet et helt hus i bakken, slik at det gikk i tusen biter, for så å sette det sammen igjen, blottet for byggtekniske prinsipper og blendet av desperasjonen, med et makeløst hjelpeløst resultat hvor huset har blitt til en faretruende hinderløype. Dens estetikk (skjønnhet definert gjennom funksjon) og den tilsynelatende enkle gesten ved å bruke huset som uttrykksform dannet grunnlaget for en motivkrets Arnøy har jobbet med siden. Ved å innlede en dialog mellom de arkitektoniske elementene i bildene og rommet de henger i, ønsker han å skape et nytt poetisk rom, der formale og koloristiske problemstillinger utforskes og perspektiver lekes med. Fascinasjonen for huset som en metafor for en psykologisk tilstand er fortsatt tilstede, men oppstår i nye og annerledes former. Fredrick Arnøy (f. 1989 i Haugesund) er utdannet fra Kunstakademiet i Oslo og Einar Granum kunstfagskole. Han har de siste årene vært bosatt i Oslo-området, hvor han blant annet har stilt ut på Trafo Kunsthall og som del av LNMs Unge inviterte. Grunnpilaren i arbeidene er ideen om hjemmet og alt den innebærer av traumer, dagdrømmer og andre minner. Arbeidene har gjerne et fravær av mennesker, men rommer likevel spor av nærvær og aktivitet. Enkelte av maleriene kan være veldig konkrete, i form av landskapsmotiver, hus og bygninger. Andre igjen er som bruddstykker av et minne, fragmenter av et hjem, en tilværelse i oppløsning. Denne utstillingen har fått støtte av Kulturrådet. 
OSS - Jannik Abel
En installasjon om kultur, relasjoner og menneskelighet. Utstillingens kjerne er seks kortfilmer som kan minne om små dokumentariske kortfilmer, men som ikke avslører om de er spilt inn i sann tid eller er skapt etter manus. Undringen står igjen. "Dypest sett er vi mennesker. Vi vil ha ord for å vite at vi er sett. Vi vil ha de riktige ordene. Når vi ikke føler oss sett, vil vi ikke ha noen ord i det hele tatt. Da fortsetter vi heller vår indre samtale. Indre samtaler som foregår i stillhet mens vi driver rundt i hverdagslige aktiviteter som ingen stiller spørsmål ved." Viktoria Spook-Fintl Jannik Abel var født 1973 i Oslo. Abel studerte ved Kunstakademiene i San Francisco og har reist verden rundt for å skape og vise sine arbeider.Abel jobber i flere forskjellge medier, hun har fordypet seg i foto, film, silketrykk og nå sist trevirke. Temaer som går igjen i hennes arbeider er kultur, sårbarhet og arv både i mennesket og i naturen. Hun skaper verk og utstillinger som påminnelser om hvem vi er vi mennesker. Jannik Abel jobber for tiden i og med skogen. 
24. mai-10. juni
BÆRUMSUTSTILLINGEN 2018 Åpning torsdag 24. mai kl. 18.00 Gratis omvisning og artist talk søndag 27. mai. Utstillingen står til og med søndag 10. juni. Bærumsutstillingen er en juryert utstilling for kunstnere/kunsthåndverkere med tilknytning til Bærum, og arrangeres av Bildende Kunstnere i Bærum (BKiB). Juryen besto i år av billedkunstnerne Kjetil Skøien, Margarida Paiva og Vibeke Slyngstad Bærum kommunes kunstpris deles ut på åpningen. Prisen skal være en påskjønnelse og stimulans for enkeltkunstnere eller grupper av kunstnere, som leverer det kunstverket til BKIBs årlige utstilling, som juryen mener bidrar til å skape kunstglede og opplevelse for kommunens innbyggere. Prisen er en æresbevisning i form av et diplom og kr 25 000, og deles ut for 19. gang. Vinneren får også tilbud om utstillingsplass i Bærum Kunsthall. Medvirkende kunstnere: Christine Istad, Mona K. Lalim, Gitte Magnus, Tone Hagen, Dorthe Søndergaard Lange, Line Schjølberg, Glen Farley, Christine Stokke, Anne Bruflot, Nina Christine Angaard, Anna Marit Staurset, Ellen Synøve Holtskog, Billie Thackwell, Thea Andenæs, Hennie Ann Isdahl, Rolf Sverre Nielsen, Gerd Wangestad, Lilja Sighvatsdottir, Grethe Hald, Trude Madsen Viken, Cathrine Bjørklund Simensen, Cathrine Gehrken, Pippip Ferner, Anne Kari Ødegård, Grethe Ravnaas og Turid Gyllenhammar Åpningstider: Onsdag - fredag 16 - 19. Lørdag - søndag 12 ‐ 16 Bærum Kunsthall ligger i Odd Nansens vei 19 i den gamle brannstasjonen på Fornebu. Ta buss 31 til Telenor Fornebu, derfra er det ca fem minutters gange i retning flytårnet. Én time gratis parkering ved Odonata Café vis avis kunsthallen 
Ina Bache-Wiig - Double Trouble (detalj). Fargeblyant på papir
19. april - 13. mai 2018 Guilt by Association Ina Bache-Wiig, Åsil Bøthun, Janine Magelssen, Michael O´Donnell og Heidi Kennedy Skjerve Kuratert av Tommy Johansson Tegning, skulptur, veggobjekt, installasjon og maleri Kunstnersamtale og finissage søndag 13. mai kl 14.00 Langt oftere enn mange liker å innrømme, vurderes kunst ut fra de mest overfladiske kriterier. Det er ikke bare snakk om tegning som ligner på foto, eller skulptur som imiterer luksuriøse merkevarer. Konseptuell kunst ligner også ofte på konseptuell kunst og politisk kunst på politisk kunst. Men bak stilistiske problemer og brysomme sjangre, kommer vi bare til et neste nivå av trøbbel: At noe fremstår som relevant eller irrelevant, godt eller vondt, vakkert, seksuelt, kritisk, intenst eller følsomt nettopp fordi det fremstår slik. Det er altså snakk om konkrete, fysiske tegn i en ditto konkret sammenheng. Langs disse linjene orienterer utstillingen seg etter verkenes fysiske, synlige forbindelser, dette som kalles overflatelikhet i lyrikken. Utstillingen følger påstanden om at assosiasjon - vår uhelbredelige lyst og trang til å forbinde - er den mest fundamentale mekanismen og drivkraften i all kunstnerisk produksjon og tolkning, og at denne er knyttet til basale, mimetiske forhold. Guilt by Association er et uttrykk for en type feilslutning innen etikk og argumentasjonsteori som leder til forskyvninger av skyld, ansvar eller årsaksforhold - med ditto konsekvenser. Sammenhengen mellom etiske og estetiske sympatier er kompliserte. Hva som forbinder noe med noe annet, er i regelen bestemt av en tredje faktor. Noen av verkene i utstillingen er prosess- eller fenomenbaserte og unngår tilsynelatende eksterne referanser eller bestemte assosiasjoner, mens andre gjør disse høyst virksomme og er slik sett mer diskursive. Begge disse tilnærmingene til kunst og verk har fallhøyde, men risikoen er av helt forskjellig art. Utstillingen flørter likevel åpent med ideen om at denne forskjellen er marginal og vilkårlig. Så det handler ikke bare om å skue hunden på hårene, men om å gjøre dette inngående og radikalt ukritisk. Prosjektet vil senere komme ut i bokform, der utstillingen blir dokumentert og utforsket videre tematisk av kurator. Om kunstnerne: Ina Bache-Wiig (f.1989) er utdannet ved Kunstakademiet i Oslo. Hun jobber hovedsakelig med maleri, tegning og skulptur i et vidt tilfang av teknikker og tilnærminger. Bache-Wiig henter materiale fra ulike epoker og sjangre, med særlig referanser til middelalder, folkekunst og sosiale medier. Felles for arbeidene er motiver, komposisjoner og uttrykksjangre som relaterer seg til den sosiale risikoen ved det å bedømme noe estetisk - tett forbundet med muligheten av eksklusjon og straff. Ina Bache-Wiig har deltatt flere ganger på Høstutstillingen, blitt kjøpt inn offentlig og har en kommende separatutstilling på LNM i Oslo, 2019. Åsil Bøthun (f. 1971) sitt kunstnerskap er preget av estetisk finesse og et skarpt blikk for (den øvre) middelklassens flytende verdi- og gjenstandsverden. I arbeidet Tower of Love har hun kopiert esker av eksklusive varemerker og stablet disse oppå hverandre. Verket er en del av serien Rep-Lic-As som tar utgangspunkt i eksklusive designobjekter, alle nøyaktig kopiert i enkle materialer som papir og lim - typisk for måten hun jobber på. Utstillingstitler som Intentional Objects, Deluxe Family, I Always Wanted To Be Like You og Controlled Chaos – the complexity of middle class, angir et spenningsfelt av interesser for designhistorie, skjønnhet og begjær, kombinert med satiriske impulser og dype antropologiske spørsmål. Åsil Bøthun bor og arbeider i Bergen. Etter endt utdanning ved Kunsthøgskolen i Oslo i 2002, har hun deltatt på over seksti utstillinger og mottatt priser både nasjonalt og internasjonalt. Hun arbeider for tiden som professor i skulptur og installasjon ved Fakultet for Kunst, Musikk og Design ved Universitetet i Bergen. Janine Magelssen (f. 1964) arbeider i et abstrakt, redusert formspråk som adresserer opplevelsen av rom, volum, lys og materialenes egenskaper - spesielt forholdet mellom optisk og taktilt volum. Verkene er på forskjellige måter organisert av enkle grunnformer bygget opp av gesso, sparkel eller gips som er pusset. Komposisjonene kan være organisert som rytmiske vekselspill av positivt og negativt rom, andre ganger mer åpne strukturer, tablåer, ansamlinger eller grupper av skulpturelle objekter. Hun utforsker gjennomgående spenningen mellom berøring og syn, hvor betrakterens kropp og relative posisjon gis en sentral rolle. Janine Magelssen har vært tilknyttet Kunsthøgskolen i Oslo og University of Colorado. Hun har blant annet stilt ut ved Trafo Kunsthall, Bærum Kunsthall, Charlottenborg Kunsthall, The Drawing Center, New York, USA og Art League (Houstoun, USA). Hun er kjøpt inn av Bærum Kommunes Kunstsamling, Norsk Kulturråd og Dronning Sonjas Kunstsamling. Michael O´Donnell (f.1950) arbeider med skulpturell installasjon, tekst, foto og video gjennom et bredt spekter av materialer - fra stål, bronse og kobber til voks, gummi og lyspærer. Verkene utforsker spesielt perspektiver og holdninger til døden, samt institusjonelle praksiser tilknyttet krig og offentlig avstraffing. Michael O’Donnell er tidligere dekan og nå professor ved Kunstakademiet i Oslo. Han er utdannet ved Cardiff College of Art, Leeds College of Art og the Royal College of Art i London og har bodd og jobbet i Norge siden 1977. Han har lagt bak seg et femtitalls separatutstillinger i inn- og utland, en rekke bokutgivelser, arbeid i offentlig rom og internasjonale prosjekter - som Academy Without Walls i Zambia, Centre for Contemporary Art i Kabul, Afghanistan og det internasjonale kunstakademiet i Ramallah, Palestina. Heidi Kennedy Skjerve (f.1954) jobber prosessbasert med tegning, tråd, akvarell og annet konstruert ut fra enkle, formale prinsipper. Sentralt står kombinasjonen av vertikale og horisontale linjer som utover i prosessen øker verkenes kompleksitetsgrad og intensitet. Arbeidsformen er ofte repetetiv og svært tidkrevende - utført på måter som forener arbeid, sporsetting og historie inn i komplekse strukturer. Hennes nyere arbeider forfølger samme grunnleggende utforskning av vertikale og horisontale linjer, men er mer fargesterke og optisk fortettede enn tidligere. Heidi Kennedy Skjerve er utdannet ved Bergens kunsthåndtverkskole samt Kunstakademiet i Bergen og i Trondheim. Skjerve har en lang karriere bak seg med utstillinger i Norge og Europa, og er representert i private og offentlige samlinger, inkludert Nasjonalmuseet. 15. mars - 8. april 2018 Dawn av Lise Kolstad Yuen Duoutstilling med Harald Fenn og Thomas Hestvold. 
Lise Kolstad Yuen - Travel in the Mist
Dawn - Lise Kolstad Yuen
I Lise Kolstad Yuen sine romlige og skulpturelle arbeider spiller materialene en sentral rolle. Hun setter de ulike overflatenes farger, strukturer og taktilitet opp mot hverandre, og skaper kontraster mellom disse. Olje, glass, stål, epoxy og tyll balanseres mellom gjenkjennelige figurative elementer, og noe mer abstrakt og tvetydig. I Bærum kunsthall viser hun fire arbeider der hun har tatt utgangspunkt i opplevelsen av tid og rytme. Titlene, som Travel in the Mist og White Ocean (II), inviterer til en poetisk og kontemplativ lesning av de abstrakte - og tidvis monumentale arbeidene, som kan gi assosiasjoner både til organisk natur og urban industri. Lise Kolstad Yuen (f. 1964) bor og arbeider i Oslo. Hun har hovedfag fra Statens Håndverks- og Kunstindustriskole (Oslo). Kolstad Yuen bodde og arbeidet en lengre periode i Shanghai i Kina, der hun blant annet etablerte visningsstedet Creek Art Center. Internasjonalt har Lise Kolstad Yuens arbeider blitt vist ved Nakanojo Biennale, Japan, Den 10. Shanghai- Biennalen, The Shanghai Museum of Glass, V-art Center, Shanghai og Halle 50, Munich. I Norge har Yuen stilt ut ved blant annet Oppland Kunstsenter, Henie Onstad Kunstsenter, Krypten (Oslo) og Elverum skogbruksmuseum. 
Thomas Hestvold - Geo
Harald Fenn & Thomas Hestvold
«På slutten av 80-tallet, etter at det heftige maleriet hadde dominert kunstfeltet fullstendig i godt og vel ti år, var ville fakter og spontane gester blitt ufarbare veier for oss som fortsatt ville male. Men var det mer å hente i modernismens flatemaleri?» Dette spørsmålet ligger som klangbunn for både Fenns og Hestvolds maleriske praksis. I Bærum Kunsthall viser de hvordan de nærmer seg dette mulighetsfeltet på svært ulike måter. Stemningslandskap og abstrakt maleri er ikke uforenelig i Harald Fenns kunst. Arbeidene trer frem som lysskimrende naturfremstillinger bak en grid av abstrakte, vertikale linjer og skaper en optisk, romlig virkning av ulike sjikt. Bruken av sprøytepistol skaper en glatt overflate uten spor av penselsstrøk. Maskeringsteip bidrar til de presist malte vertikale stripene. Arbeidene fremstår som abstrakte med et glimt inn til landskapskategorien; naturmotiver som finnes som et diffust spill mellom lys og skygge, som en truende bakgrunn, bak Fenns ordnede systemer av linjer. I Thomas Hestvolds arbeider er den tradisjonelle slagmarken for maleriet, rektangelet, erstattet med organiske former som griper inn i, eller legger seg inntil hverandre. Ved å unngå rektangelet, understreker arbeidene seg selv som objekt eller kropp. Maleriene består av to eller flere elementer, der hvert element har en bunnfarge, og et sett linjer i en annen farge, påført med pensel. Formene i arbeidene er hentet fra egne naturfotografier og fra kunsthistorien. Hestvold har spesielt interessert seg for Peder Balke, Caspar David Freidrich og amerikaneren Albert P. Ryder. Mens romantikerne forsøkte å gjenoppdage en tapt Gud i en uendelig natur, forsøker kanskje Hestvold å fastholde muligheten for å få tilfredsstilt et taktilt begjær ved å knytte arbeidene opp til en stadig mer truet natur. 
Harald Fenn - Rimfrost
Harald Fenn (f. 1963, Oslo) har sin utdannelse fra Kunst- og Håndverkskolen i Oslo (1986-1990) og Statens Kunstakademi, Oslo (1990-1994). Harald Fenn er aktiv både i utstillings- og utsmykkingssammenheng. Han er representert i flere offentlige samlinger som Nasjonalmuseet, Astrup-Fearnley Museet og i mange store private samlinger.
Thomas Hestvold (f. 1957) bor og arbeider på Vestre Sandøya ved Tvedestrand. Han er utdannet ved Kunstakademiet i Trondheim, Vestlandets kunstakademi og School of Visual Arts, New York. Han har hatt separatutstillinger ved blant annet Galleri Wang, Galleri Dam, Galleri Sølvberget, Kunstnerforbundet, Bomuldsfabriken og Sørlandets Kunstmuseum. Hestvold har deltatt på gruppeutstillinger ved Museet for Samtidskunst, Kunstnernes Hus, Bomuldsfabriken, Kunstnerforbundet, Yerevan Moderen Art Museum i Armenia, Galleri F15, Sørlandets Kunstmuseum og Oslo Kunsthandel for å nevne noen. Hestvolds arbeider befinner seg i både offentlige og private samlinger som blant andre Nasjonalmuseet, Norsk kulturråd, Aust-Agder fylke, Olympiasamlingen, Rogaland Kunstmuseum og Sørlandets kunstmuseum. Hestvold har utført flere offentlige kunstoppdrag som ved Den norske ambassade i Brüssel, i Utenriksdepartementet, Bøler kirke og Kopervik kirke. 7. februar - 4. mars 2018
Forkledninger - Chan Hyo Bae, Elmgreen & Dragset, Trine Søndergaard Utstillingen Forkledninger viser fotografier fra tre sentrale kunstnerskap: Chan Hyo Bae (fra seriene Existing in Costumes og Fairytales), Elmgreen & Dragset (fra Thorvaldsen-serien) og Trine Søndergaard (fra serien Strude). Verkene som presenteres, behandler på ulike måter identitet, kjønn og kulturell tilhørighet med referanser til europeisk kunst- og kulturhistorie. Gjennom iscenesettelser av kjente eventyr, påkledning av nyklassisistiske marmorskulpturer, og i portretter av modeller i den danske Fanø-drakten, reiser disse kunstnerne på ulike måter spørsmål ved våre forestillinger om kjønn, identitet, historie og kultur, i en tid der klær og attributter både tilskriver og tilskrives verdier, og der plaggene vi ikler oss på samme tid skjuler og løfter frem våre individuelle særtrekk. Verkene som stilles ut er lånt fra Statoil kunstsamling. Utstillingen vil åpnes av leder for Statoil kunstprogram, Bjarne Våga, og kultursjef i Bærum kommune, Berit Inger Øen. 
Elmgreen & Dragset - Ganymede (Shorts). Statoil kunstsamling
Om kunstnerne Kunstnerduoen Michael Elmgreen (født 1961 i København) og Ingar Dragset (født 1969 i Trondheim) har jobbet sammen som kunstnere siden 1995. De bor og arbeider i Berlin. Duoen har markert seg internasjonalt med verk og installasjoner i grenseland mellom skulptur, arkitektur og design. Arbeidene deres vises jevnlig på utstillinger over hele verden. Trine Søndergaard (f. 1972 på Grenå, Danmark) er billedkunstner og fotograf, utdannet ved Fatamorgana Fotografiske Billedkunstskole. Hun bor og arbeider i København, har mottatt flere kunstpriser og er kjøpt inn av museer og samlere internasjonalt. Chan Hyo Bae (f. 1975 i Busan, Sør-Korea) er kunstfotograf og har studert ved Kyung-Sung University og Slade School of Fine Art. Han bor og arbeider i London, har deltatt på en rekke utstillinger internasjonalt og er representert i museumssamlinger i USA, Sør-Korea og Europa. Åpning torsdag 4. januar kl. 18
Ana Rita Antonio - Evolutionary Thinking at the Camping Site Endre Aalrust - Freedom of Impression Lise Wulff - May the Future be a Friendly Place Utstillingsperiode 4. - 28. januar 2018 
Ana Rita Antonio - Evolutionary Thinking at the Camping Site The Poetics of Miss Understanding (Chapter III) Evolutionary Thinking at the Camping Site is part of an on-going project called The Poetics of Miss Understanding - a methodology in problem solving. It tells a story of a mountaineer that encounters a problem while camping- a hole in the inflatable mattress- This problem creates a chain reaction which results on several changes in the camping gear, at last resolving into a final solution, the inicial problem itself. 
Endre Aalrust - Freedom of Impression
Endre Aalrust´s exhibition Freedom of Impression consists of oil paintings. His work relates to traditional genres like landscape, portrait and still life, but with an interest in silly jokes, kitsch and maudlin sentimentality, the paintings often fail to live up to standards of good taste and painterly conventions. The works in this exhibition refer to very different cultural phenomenons like "The creative class", Rhinoplasty, yoga and Claude Monet, but instead of being elements in a consistent narrative, the paintings seem to relate in a more associative way. 
Lise Wulff - May the Future be a Friendly Place
Organically shaped objects are disperesed in the room. The objects are covered with maps - or rather pieces of maps - where roads, cities, lakes and mountains appear and disappear. The humanlike shapes might give associations to people on the move or unsheltered figures lying down. The human species have always been on the move. Driven by what? Necessity? Curiosity? Hope for a better future? May the Future be a Friendly Place links history with the present and the future. The modern maps show areas linked to the routes where humans wandered some thousands of years ago. In the skin of the objects, the present is united with the start of our civilisation. The maps make the human expansion around the world clearly visible. Knowing how our treatment of nature is pushing the limits of the Earth's capacity, the installation also bears in it connotations to the environmental challenges we are facing, and how that situation - if unsolved - will continue to cause continued migration waves in the future. Åpning torsdag 30. november kl. 18
Verticalability
Tammo Rist, Robert Connolly and Jon Lundell Verticalability - for et fint ord! Selv om det kanskje kun er med oss for et kort øyeblikk. Uansett om det finnes eller ikke, viser det en retning og en vei. Opp og ned, over og under, nederst og på toppen, det gode og det onde. For all del, det er efemerisk og ustabilt, og ikke laget for å bestå i evig tid. Hvem vil leve for alltid? Ikke oss, heller ikke du. Man strever etter stjernene og lengre ut i universet, eller graver seg ned i jorda i mørke tunneler og huler. Ambisjonene virker ubegrenset, og finner sitt uttrykk i kraften som ble lært og levert fra de gamle helt siden Sirums tiden. Spørsmålet man stiller seg i dag derimot er om og når vi kan ta nytte av det eller om det kanskje allerede er for sent? Tammo Rist. Etter sin utdanning ved Universität der Künste Berlin og Kunstakademie Düsseldorf flyttet Rist til Norge i 2006. Han har siden jobbet i kunstfeltet og deltatt i en rekke nasjonale og internasjonale utstillinger og prosjekter. I Bærum kunsthall viser han et utvalg av årets fotoarbeider. Digitale bilder, analoge mellom og storformat, med feil i alle ledd eller det motsatte, i trerammer, på papir og foran lys. Bilder av støv, av mennesker, båter og fly, samt selveste himmelen, takk Seba. Jon Lundell er en kunstner som i hovedsak arbeider med fotografi, skulptur og dikt. Han har i de senere år deltatt i gruppeutstillinger ved blant annet Kunstnerforbundet, UKS, Ekely og Munch Museet. Lundell er også initiativtaker og leder for kunstfestivalen Hvitsten Salong. I denne utstillingen bidrar Lundell med treskulpturer, fotografi og installasjon. Skulpturene vil prøve å fremheve den fantasifylte søken vi har når vi er i skogen. Fortellingene som vi er oppvokst med og som er førende når vi ser skapninger, utskudd og abstrakte feilvarer. Her får vi lov å lage våres eget univers. Vi har lov å slippe våres følelser fri å putte det inn i våres egenskapte og skrudde univers. Vi får lov å være lekne, barnslige, barnlige, uvoksent uvanlige. Robert Connolly er en konseptuell kunstner som arbeider hovedsakelig med performance. Han var den første kunstneren som malte med sitt eget hår, og også den første kunstneren som kledde seg i klær laget av kjøtt, 30 år før Lady Gaga. Han har vært presentert på Franklin Furnace og The Danceteria, New York, ICA, London, på britisk nasjonal tv, University of Texas i Dallas, School of the Art Institute of Chicago, KHIO og Munch-museet, Oslo, Kulturhuset, Konstfack og KKH, Stockholm og over hele Europa. Into the Void - performance på åpningen av Robert Connolly Den franske kunstneren Yves Klein hevdet at han hadde fløyet i en performance i 1960, i Connollys performance vil han flyte 5 meter opp og erobre den øvre atmosfæren og taket i galleriet. ....................................................................... To my faraway friend Magnie Finnsdatter Nilsen Magnie Finnsdatter Nilsen (f. 1977 i Arendal) bor og arbeider i Oslo. Hun har en master i kunstfag fra Kunsthøgskolen i Oslo (2012). De siste årene har hun blant annet stilt ut på BLOKK (2016), Sørlandsutstillingen, Kampen Visningsrom (2015) og Agder Kunstsenter (2017). FORVANDLINGEN AV ET ORDINÆRT STYKKE PAPIR - om Magnie Finnsdatter Nilsens kunstverk i papir Se godt på kunstverkene i papir du nå er omgitt av, for de kan komme til å forsvinne. Ved slutten av dagen, akkurat som når mørket faller på, vil det svarte blekket ha trukket så langt inn i den hvite papirmassen at det kollapser i en svart, utflytende substans. Kunstverket transformerer og ødelegger seg selv og kan aldri oppstå i den samme formen igjen. Kunstneren kan kontrollere noe av prosessen, men aldri forutsi nøyaktig hvordan den kommer til å utarte seg. Papir er et hverdagslig materiale, et uhøytidelig medium som kanskje lettere enn noe annet materiale kan ødelegges, resirkuleres og få tilbake sin opprinnelige form. Papiret som er brukt til de grønne, svarte og hvite arbeidene på vegg, er det papiret som ellers brukes for å lime innmaten til permene i ei bok. Dette er det eneste papiret i boka hvor det ikke står et eneste ord eller tegn. Det er den siden i boka du ikke legger merke til, som du blar raskt forbi for å komme til selve teksten. Men i disse kunstverkene er denne blanke tausheten gått løs på, med krølling, stryking, dypping, tegning. En fysisk og grisete prosess, en metode som angriper det stumme og språkløse og finner fram til en stemme gjennom papiret. Magnie Finnsdatter Nilsens prosessbaserte kunstverk i papir kan bringe tankene til et helt grunnleggende begrepsapparat som lys og mørke, kontroll og kaos, mening og meningsløshet. Dette synes å prege idéene i kunstverkene. Hva ligger i handlingen å krølle et papirark? Der tar språket slutt. Her oppstår historien. I noe som ligner topografiske kart, blir historien brettet ut over en hel vegg, en historie uten ord og språk, men med en kraftfull handling og en omstendelig prosess bak. Det sammenkrøllede papiret som siden er forsøkt brettet ut igjen, forteller om kaos og kontroll, om å kunne slippe noe løs for å finne fram til noe annet, noe nytt. Om å forsøke å finne fram i ulendt terreng. Helt siden oldtiden har mennesker forsøkt å vinne kontroll over og å kunne finne fram i uoversiktlige landskap ved å tegne kart. Det finnes tette forbindelser mellom kaos og kontroll, i våre stadige forsøk på å bringe kaos inn i kontrollerte former. Kanskje er dette grønne og svarte et forsøk på å la mening og meningsløshet eksistere side om side, slik det ellers gjør i menneskenes liv. Mirjam Kristensen ..................................................................... Hotel Occidental Johannes Engelsen Espedal (f. 1988) bor og arbeider på Kapp, Østre Toten. I 2013 mottok han en mastergrad fra Kunsthøgskolen i Bergen. Han har blant annet hatt separatutstillinger ved Harpefoss Hotell (2017), Oppland kunstsenter (2016), Akershus kunstsenter (2016) og Tag Team, Bergen (2014). «Midt i den ødelagte sivilisasjonen samler det gjenværende livet seg, for å begynne på nytt igjen i en annen tid.»* Hotel Occidental er et sted ingen noensinne har sett, men som er fylt til randen av alle som har vært der. Det er ikke et bosted for mennesker, men en organisme med en lignende rik og lang fortid. Ingenting forsvinner fordi ingenting kan bestå. Installasjonen gransker speilingene mellom minner om fortiden og tanker om fremtiden. Utgangspunkter for arbeidene er gjenstander som er uttømt for verdi og blitt hjemløse i tingenes verden: fra landbruksmaskiner til hensatte møbler. Underliggende historier og mulige fremtider danner utgangspunkt for assosiativt spill og formmessige spekulasjoner: Jeg leter etter linjer som kan forlenges, tråder som kan samles, helheter som kan etableres: «Hotel Occidental» kommer spøkelsesaktig til syne som en serie fryste bevegelser, en illusjon om orden i kaoset. * W.G. Sebald om Hans Erich Nossacks prosatekst «Der Untergang» i essayet «Mellom historie og naturhistorie. Om den litterære beskrivelsen av total ødeleggelse», 1982. Til norsk ved Geir Pollen i W.G. Sebald: Campo Santo. Gyldendal, 2014. Åpning torsdag 2. november kl. 18
Variations in folds Marit Roland Rina Charlott Lindgren Kurator: Sandra Lorentzen Finissage med Artist Talk: Søndag 19.november kl.14 Utstillingsperiode: 02.11 - 19.11.17 Åpningstider: Onsdag-fredag 16-19, lørdag-søndag 12-16 Marit Roland: Paper Drawing 21
Marit Roland (f. 1981 i Kristiansand) bor og arbeider i Oslo. I 2012 mottok hun en mastergrad fra Kunstakademiet i Trondheim (NTNU). Samme år ble hun tildelt Sparebanken Pluss og Sørlandets Kunstmuseums kunstnerpris for serien Paper Drawings (Papirtegninger). Hun har hatt en rekke separatutstillinger ved blant annet Blaafarveværket, Nyfossum (2017), Møre og Romsdal Kunstnersenter (2016), Museo D’Arte Contemporanea Villa Croce i Genova (2014), Tromsø kunstforening (2013) og Kristiansand Kunsthall (2013), samt deltatt i en rekke gruppeutstillinger, som ved Las Francesa i Valladolid (2017), Prosjekt Normanns (2016), Sørlandet Kunstmuseums jubileumsutstilling (2015), Høstutstillingen (2014) og Norsk Skupturbiennale (2013).
Rina Charlott Lindgren: Brettet komposisjon II
Rina Charlott Lindgren (f. 1983 i Tromsø) bor og arbeider i Lofoten. I 2011 fullførte Lindgren sin mastergrad ved Kunstakademiet i Trondheim. Hun har også studert ved Listahaskolinn i Reykjavik. Lindgren hadde sin debututstilling på The Boiler Room i 2013. Hun har hatt separatutstillinger ved Galleri Haaken (2017, 2016), Bodø Kunstforening (2015) og BLOKK (2015), samt deltatt ved en rekke gruppeutstillinger ved blant annet Nordic Contemporary i Paris (2017), Nordenfjeldske kunstindustrimuseum (2017), Teckningsmuseet i Laholm (2016), Bomuldsfabriken Kunsthall (2016), Nordnorsk Kunstmuseum (2016, 2014 og 2012), Prosjektrom Normanns (2012) og Høstutstillingen (2013). Papir er et ømfintlig materiale, forgjengelig og sensitiv til omgivelsene. Allikevel har kunstnere i flere generasjoner valgt papiret til å skape sin illusjon.
I november viser Bærum Kunsthall en utstilling med Marit Roland og Rina Charlott Lindgren. Begge kunstnere er utdannet innenfor en tradisjonell tegnepraksis, men viser en mer eksperimentell tilnærming til papirarbeider. Papirets evne til forandring utforskes gjennom bretting og krølling. Roland skaper stedsspesifikke og tilnærmet organiske installasjoner, hvor papiret brukes til fysisk å tegne seg inn i rommet, mens Lindgren bruker effekten av forsiktig brettede og krøllete papir som visuelle elementer i motivet. Papiret er ikke lengre kun en flate å tegne på, men også et materiale å tegne med. Utstillingstittelen gir assosiasjoner til Gilles Deleuze sin bok The Fold: Leibniz and the Baroque fra 1988 hvor han fordyper seg i ”barokkfolden”. Hver krøll eller brett påvirker materialet, og skaper nye former og uttrykk. Å brette papiret ut igjen er ikke det motsatte eller en fjerning av folden, men en fortsettelse eller forlengelse av dens virke, i følge Deleuze. Folden inviterer til utforskning og transformering, og vekker en nysgjerrighet hos oss som betraktere hvorhen vi befinner oss i folden. Verkene leder oss til tanker om naturen og det forgjengelige. I Lindgrens serie Solgløtt ser vi et vakkert utsnitt av naturen, som med ett kan bli borte idet solen i motivet forsvinner og de mørke brettene i papiret suger det inn. Papiret kan igjen brettes sammen og motivet blir usynlig for oss. Etter hver utstilling demonterer Roland sine installasjoner og papiret sendes til resirkulering. Kraftpapiret, som for en kort periode blir opphøyet til kunst, får nå et nytt liv. Sandra Lorentzen Kurator ved Blaafarveværket 
Åpning lørdag 14. Oktober kl. 13
Bærumsutstillingen: Syklus - en juryert gruppeutstilling i regi av Bildende Kunstnere i Bærum BKiB Juryen besto av tre eksterne kunstnere, Tiril Schrøder, Stein Koksvik og Javier Barrios. Utstillingsperiode: 14.10.17 - 29.10.17 Gratis omvisning: 22. og 29. oktober kl. 14-15 Åpningstider: Onsdag-fredag 16-19, lørdag-søndag 12-16 De antatte i år er: Sunniva Krafft, Sverre Hoel, Cathrine Gehrken, Anne Kristin Hagesæther, Margrethe Iren Pettersen, Toril Rygh, Monica Risvik, Heidi Glattre, Tone Hagen, Anne Bruflot, Anne Liv Skjeggedal, Mona K. Lalim, Turid Gyllenhammar, Erik Fagerheim Kalsås, Heidi Grindheim, Marianne Broch, Kjersti Austdal, Emmy Harnes, Karin Høie, Lise Wulff, Jes Dombernowsky, Turi Juve, Tobbe Malm, Tina Lindvall og Ana Maria Lopez Årets tema: Syklus - livshjul - sirkel - trender - kropp - natur - perpetuum mobilie - matematikk - poesi - rytme - musikk...
Vi ønsker også alle velkommen til gratis omvisning søndag. 22. og 29. oktober kl. 14-15 Utstillingen formidles (på norsk) av Christian Danielewitz Christian Danielewitz (f. 1978) er en dansk kunstner utdannet fra Det Kongelige Danske Kunstakademi i 2009. Han arbeider med foto, film og skulptur, og har utstilt bredt i inn- og utland. Hans verker er representert på HEART - Herning Museum of Contemporary Art og i Statens Kunstfonds samling (DK). I 2015 mottok han Niels Wessel Bagges Hæderslegat. www.christiandanielewitz.dk Åpning torsdag 31.august kl. 18
Peter Mohall Maina Movig Thea Andenæs Unn Fahlstrøm Rosemary Hogarth Artist Talk: Søndag 3.september kl.14 Utstillingsperiode: 31.08.17 - 24.09.17 Åpningstider: Onsdag-fredag 16-19, lørdag-søndag 12-16
Torsdag 24. august kl. 18
MELP – mennesker er laget av porselen Regi og koreografi: Liavaag/Lindberg Produsenter: Liavaag/Lindberg 
«MELP – mennesker er laget av porselen» er et tverrestetisk, scenekunstprosjekt av kompaniet Liavaag/Lindberg. I MELP møter du et uraffinert univers, som viser deg det uperfekte ved mennesket. Forestillingen er et fragmentarium av koreografiske øyeblikksbilder som skildrer de forskjellige overgangene livet består av. Den er også en lek i konstruksjon og dekonstruksjon av kropp. Sammen med live samtidsmusikk skapes en fysisk rå, poetisk og audiovisuell forestilling. Forestillingen varer i 40 minutter Kostyme: Siri Hjoth Scenografi: Vigdis Storsveen, Nikolai Lieblein Røsæg Komponister: Martin Rane Bauck, Vilde&Inga Musikere: Vilde&Inga Lyddesigner: Sindre Bergsvik Øvstegård Medskapende utøvere: Håkon Vadstein, Ingrid Liavaag, Vibeke Vigeland Forestillingen "MELP - mennesker er laget av porselen" er en del av Flash-arrangementene til Bærum Kunsthall. I tillegg til Bærum Kunsthalls fast utstillingsprogram ønsker vi å invitere publikum til flere flash arrangementer hvor vi presenterer forestillinger, performances, screenings, konserter og forelesninger. Forestillingen er støtte av Glasslåven Kunstsenter, Norsk Kulturråd, Oppland Fylkeskommune og Norsk Skuespillerforbund |
Torsdag 10. august kl. 18 - 21
(Jeg går en tur med kua) Grålin, feat. Minimoo, Vincent Velur og Tina Lindvall
(Jeg går en tur med kua) Grålin, feat. Minimoo, Vincent Velur og Tina Lindvall
Som er del av vårt Flash-program, ser vi frem til å presentere dette søsterprosjektet til
"Jeg går en tur med kua" av Steinar Laumann.
"Jeg går en tur med kua" av Steinar Laumann.
|
Våren 2017 ble Tina Lindvall invitert av Steinar Laumann til å gjøre et søsterprosjekt til hans kunstprosjekt "Jeg går en tur med kua". Lindvall ble invitert til å arbeide ut fra lyden som livestreames fra hjemmesiden - mens Laumann går i fotsporene på de gamle driftekarene, sammen med Kua Grålin.
Ved ørene til Grålin er det påmontert to små mikrofoner som gjør et kontinuerlig opptak av hennes omgivelser på denne turen, og livestreames via hjemmesiden garenturmedkua.no. Dette var grunnlaget for prosjektet. Lindvall har invitert med seg musiker og lydkunstner Audun Kjeldahl Berntsen - aka Vincent Velur. I deres prosjekt arbeider Lindvall med en installasjon med videoprojeksjoner og Kjeldahl Berntsen med lyd. Berntsen har bearbeidet opptak fra livestreamingen, og skapt et kronologisk lydverk, som han, Vincent Velur, med gjester, innimellom skal spille live ovenpå denne kvelden. Sammen håper vi på en tre timer lang og stemningsfull symbiose av lydbilder, impro, hygge og litt uhygge. Audun Kjeldahl Berntsen og Tina Lindvall er begge basert i Oslo. De har tidligere arbeidet sammen i forbindelse med Lindvalls videoer, samt hennes siste separatutstilling, hvor Berntsen med sin støy/jazz impro-trio; Street Fajita, spilte live på hennes åpning og satte selve lydbildet til installasjonen. Tina Lindvall (f. 1976) er utdannet billedkunstner, med BA fra kunstakademiet i Tromsø og MFA fra KHiO. Hun arbeider oftest med installasjon, skulptur og videoprojeksjon. Lindvall har deltatt på flere gruppeutstillinger og juryerte utstillinger i Norden og har hatt sine seneste saparatutstillinger på Prosjektrom Carl Berner i Oslo og Galleri Snerk i Tromsø (2016) Audun Kjeldahl Berntsen, aka Vincent Velur (f.1986) spiller i hovedsak orgel, piano og div. synter (lyd/effekter) Han er bl.a. med i band/musikkprosjekter som Baba Soul & The Professors of Funk, Street Fajita og Bernard Briis Band. Mr. Velur er et musikalsk multitalent uten like og "...kunne gitt ut ei ny skive hver dag." Sitat: - Espen Fladmoe Wolmer Velkommen til vår One Night Only! |
Foto av Trygve Snøtun Steinar Laumann er kunstner. Han jobber som fjell- & brefører, og har gått 3 ganger over Grønlandsisen. Når han med sine assosierte, inspirert av de gamle driftekarene, i juni d.å. la ut på en tre måneder lang gåtur—fra Stryn til Oslo—med en vestlandsk fjordku med navnet Grålin, er det med en viss godmodighet, men uten ironi. Turen er for lang og for krevende- garenturmedkua.no |
Åpning torsdag 1. juni kl. 18
Lost Paradise - Wenche Kvalstad Eckhoff
Psykologisk landskap - Ole Henrik Hagen
Efterdyning - Matilda Höög
Utstillingsperiode 01.06.17 - 18.06.17
Åpningstider: torsdag: kl.16 - 19, lørdag - søndag: kl.12 - 16
Lost Paradise - Wenche Kvalstad Eckhoff
Psykologisk landskap - Ole Henrik Hagen
Efterdyning - Matilda Höög
Utstillingsperiode 01.06.17 - 18.06.17
Åpningstider: torsdag: kl.16 - 19, lørdag - søndag: kl.12 - 16
Torso
Matilda Höög (f. 1980, Stockholm), utdannet ved Kunstakademiet i Trondheim 2009-2012 (bachelor i fri kunst) og Kunstakademiet i Oslo 2012-2014 (master i fri kunst). Höög har stilt ut på bl.a Tegnebiennalen, Høstutstillingen og har hatt flere separatutstillinger rundt om i landet, samt vist filmverk på festivaler som Kortfilmfestivalen i Grimstad og Minimalen i Trondheim. Kunstneren bor og virker i Oslo. |
Efterdyning - Matilda Höög Jeg jobber for tiden i hovedsak med tegning. Teknikken er svipenn på tre, noe som tar tid og krever et fokus som jeg liker godt. Det går ikke å viske ut noe eller ta et skritt tilbake, og på den måten minner det litt om akvarellmaleri. Jeg har alltid et foto som original, som jeg ser på. Det er bilder jeg først og fremst finner på nettet. Søket er ganske intuitivt. Et søkeord fører meg videre til andre bilder og assosiasjoner, og jeg sparer de funn som appellerer til meg, uten å tenke så mye på hvorfor. Å tolke og forsøke å skjønne hva det er jeg finner tiltrekkende, venter jeg med til etter jeg er ferdig med et bilde. Jeg tar også selv foto av detaljer i min hverdag. En del temaer er sentrale for meg. Sårhet, melankoli, fravær og mangel på noe man ikke helt vet hva er. Selv om det kan virke mørkt finnes håp tilstede og en følelse av overlevelseskraft. Sepia-tonen som oppstår i det brente treet har noe veldig nostalgisk over seg, bildene kan lett bli litt for romantiske, beroende på motiv. Det er noe jeg jobber med og i mot. Jeg vil skape en dynamikk mellom svipennen - som kan gi assosiasjoner til barneskole og sløyd - og bildet, der der motivet blir sterkt av teknikken og ikke faller i fellen for å bli kjisjéartet. Utstillingen Efterdyning er støttet av BKV Prosjektstøtte. |
Ole Henrik Hagen (f.1955, Oslo), bor og arbeider i Hamburg/DE. Utdannet ved SHKs Oslo og HdK Berlin. Han har bl.a. hatt separatutstilling på Kunstforeningen, LNM og Tegnerforbundet i Oslo. Hagen var med i kunstnergruppen Lambretta. Han har hatt utstillinger i Tokio, Shanghai og har deltatt på en rekke gruppeutstillinger i inn og utland. Han har bl.a. vært på Artist in residence OCA PlattformChina og har mottatt flere stipender. Hagen er innkjøpt av bl.a.. Norsk Kulturråd og Berliner Bank/DE.
|
Psykologisk landskap - Ole Henrik Hagen
Tittelen er hentet fra novellesamlingen Vermilion Sands, skrevet av J. G. Ballard: "Psykologisk landskap" beskriver et landskap, sitat: "full of share of dreams and illutions, fears and fantasies. I like to think, that it celebrates the neglected virtues of the glossy, lurid and bizarre." Å beskjeftige seg med maleri vil si å bevege seg i grenseområdet mellom det å fremstille virkeligheten og det å skape virkelighet. Oppstår bildet eller blir det skapt? Hva oppstår i hjernen, hva blir til i hånden og hva dannes på lerretet? Jeg arbeider ut i fra et eget arkiv som er samlet sammen over lang tid og som stadig utvikles, et åpent billedkunstnerlig alfabet, hvor elementene kan kombineres og remikses på mange forskjellige måter. Fokus er rettet mot historier og fortellinger som er skjult i fenomenet hverdagens kultur, gjenstander hvor et "tidligere liv" er innskrevet, som i leker, tegneseriefigurer, pyntegjenstander, utstoppede dyr og andre bimorfiske, ikke-animerte vesener, funnet på gata, markeder, tivoli, eller offentlige plasser, hvor disse historiene er innskrevet. Ideen bak er på min måte å utforske karakter, formål og poetiske dimmensjoner ved disse objektene. I mine malerier tar disse en egen selvstendig eksistens, og pendler mellom kjent og fremmed, sårbart og uhyggelig. |
|
Lost Paradise - Wenche Kvalstad Eckhoff
Utstillingen i Bærum Kunsthall vil bestå av en installasjon i rommet og veggarbeider i ulike teknikker. Arkitektur og rom, hjem og identitet er utgangspunktet for mange av mine arbeider, enten det dreier seg om større installasjoner i landskap, eller bilder og mindre skulpturelle objekter. Inntrykk fra reiser, landskapet jeg befinner meg i, byers visuelle uro, det urbane landskap som er i stadig forandring,miljøer som blir borte og minner som går tapt. Dette er tema jeg stadig vender tilbake til. Wenche Kvalstad Eckhoff (f.1946, Stange), bor og arbeider i Oslo. Hun har utdannelse fra Ealing School of Art, London, Statens håndverk- og kunstindustriskole og Statens Kunstakademi, Oslo. Kunstneren har hatt en rekke separatutstillinger siden 1970. Hun har deltatt på flere gruppeutstillinger og juryerte utstillinger, bl.a. Høstutstillingen. Eckhoff har vært arrangørkunstner og kunstner i større landartprosjekter i Norge og utlandet siden 1989, og hun har utført flere utsmykningsoppdrag, både offentlige og private. Hun har mottatt en rekke stipender, GMI fra 1996. Eckhoff er innkjøpt av bl.a. Norsk Kulturråd, Oslo Kommunes kunstsamlinger og NRK. |
Åpning torsdag 4. mai kl. 18:00
Vet du ikke det?
Jeg trodde du var en velutdannet kvinne.
Urd J. Pedersen
Liv Ertzeid
Utstillingsperiode 04.05.17 - 21.05.17
Åpningstider: torsdag: kl.16 - 19, lørdag - søndag: kl.12 - 16
Vet du ikke det?
Jeg trodde du var en velutdannet kvinne.
Urd J. Pedersen
Liv Ertzeid
Utstillingsperiode 04.05.17 - 21.05.17
Åpningstider: torsdag: kl.16 - 19, lørdag - søndag: kl.12 - 16
URD
Jeg lager store tekstfragmenter i tresnitt som jeg trykker på bildene før jeg maler med olje over. Tekstene er fra sanger jeg har skrevet, eller ting jeg har sett og hørt: gode og dårlige råd. Til denne utstillingen fokuserer jeg på tekster som omringer oss på alle fronter, og som er både magisk, men også helt tømt for innhold, for eksempel «Home Sweet Home». LIV Praksisen min er studiobasert. Jeg jobber hovedsakelig med maleri i ulike formater samt treskulpturer. Maleriene varierer i størrelse fra veldig små (18×24cm) til ganske store (140×370cm) Jeg er interessert i gjentagelse og begrensninger. Gjentakelse kan være repetisjon av en bevegelse, eller av er helt arbeid. Jeg lager ofte regler i forkant, f.eks. hvilke farger som er lov og ikke. Til denne utstillingen har jeg jobbet med gjentakelse. ................................................................................................... BIO Urd J. Pedersen (f. 1989 i Stavanger) tar for tiden master på Kunstakademiet i Oslo. Hun jobber med maleri og musikkperformance. Hun har vist arbeid på Kazachenkos’s Apartment, Kunstnernes Hus, Akershus Kunstsenter, galleri SCHLOSS og Not Fair, Warszawa. Sammen med Liv Ertzeid driver hun et båtgalleri i Oslo, som heter Slursula. I sommer skal hun stille ut på QB gallery, 08.06.–03.07.) I juni åpner et samarbeidsprosjekt med Calle Segelberg i forbindelse med «Wildlife» i Nesoddparken – en ny skulpturpark i regi av kunstnergruppen Nikotin. Liv Ertzeid (f.1986 i Lørenskog) tar for tiden en master ved Kunstakademiet i Oslo. Hun jobber med maleri og skulptur. Hun har tidligere vist arbeider på blant annet Kunstnernes Hus, Tegnebiennalen, Podium og Petter Dass Museet. Sammen med Urd J. Pedersen driver hun båtgalleriet Slursula i Oslo. |
|
Åpning torsdag 6. april 2017, kl. 18:00
Thomas Rummelhoff
france rose hartline fra Art[]Gender[]Art
Synnøve Sizou G. Wetten
Dorthe Søndergaard
Kuratert av: Ellen Marie Blakstad Paus
Utstillingsperiode 06.04.17 - 27.04.17
Vi har åpent i påsken!
Artisttalk:søndag 23.april kl. 14
Åpningstider: torsdag: kl. 16 - 19, lørdag - søndag: kl. 12 - 16
Thomas Rummelhoff
france rose hartline fra Art[]Gender[]Art
Synnøve Sizou G. Wetten
Dorthe Søndergaard
Kuratert av: Ellen Marie Blakstad Paus
Utstillingsperiode 06.04.17 - 27.04.17
Vi har åpent i påsken!
Artisttalk:søndag 23.april kl. 14
Åpningstider: torsdag: kl. 16 - 19, lørdag - søndag: kl. 12 - 16
|
| |||||||||
Åpning torsdag 2. mars 2017, kl. 18.00
Tine Aamodt
Danuta Haremska
Utstillingsperiode 02.03.17 - 26.03.17
Artisttalk: Torsdag 16. mars: kl. 13
Åpningstider: torsdag: 16 - 19, lørdag - søndag: 12 - 16
Åpning torsdag 9. februar 2017 kl. 18.00
Katharina Zahl Fagervik
Erlend Helling-Larsen
Eunju Kang
Martine Linge
Anne Kathrine Stangeland
Gelawesh Waledkhani
Kuratert av: Kjetil Skøien og Stefan Schröder
Utstillingsperiode 09.02.17 - 23.02.17
I tillegg holder vi åpent onsdag 15. februar og onsdag 22. februar 16-19
Artisttalk: torsdag 23. februar kl. 18.00
Åpningstider: torsdag: 16 - 19, lørdag - søndag: 12 - 16
Katharina Zahl Fagervik
Erlend Helling-Larsen
Eunju Kang
Martine Linge
Anne Kathrine Stangeland
Gelawesh Waledkhani
Kuratert av: Kjetil Skøien og Stefan Schröder
Utstillingsperiode 09.02.17 - 23.02.17
I tillegg holder vi åpent onsdag 15. februar og onsdag 22. februar 16-19
Artisttalk: torsdag 23. februar kl. 18.00
Åpningstider: torsdag: 16 - 19, lørdag - søndag: 12 - 16
| utstillingstekst_februar.docx |
Åpning torsdag 5. januar 2017 kl. 18.00
Rus Mesic
Refugium
Utstillingsperiode: 05.01.17 - 29.01.17
Artisttalk 19. januar kl. 15:00
Åpningstider: torsdag: 16-19, lørdag/søndag: 12-16
Rus Mesic
Refugium
Utstillingsperiode: 05.01.17 - 29.01.17
Artisttalk 19. januar kl. 15:00
Åpningstider: torsdag: 16-19, lørdag/søndag: 12-16
| rus_mesic_tekst.docx |
Åpning torsdag 1. desember 2016 kl. 18.00
Marthe Aune Eriksen
Annicken Thrane-Steen
Kristine Øksendal
Utstillingsperiode: 01.12.16 - 18.12.16
Artisttalk: 15.12.16 kl. 18.00
Åpningstider: Torsdag 16-19, lørdag/søndag 12-16
Marthe Aune Eriksen
Annicken Thrane-Steen
Kristine Øksendal
Utstillingsperiode: 01.12.16 - 18.12.16
Artisttalk: 15.12.16 kl. 18.00
Åpningstider: Torsdag 16-19, lørdag/søndag 12-16
| utstillingstekst_.pdf |
Åpning torsdag 10. november 2016 kl. 18.00
BORDERS AND BOUNDARIES
Borders and Boundaries er en juryert årlig utstilling arrangert av
Bildende kunstnere i Bærum (BkiB). Alle profesjonelle kunstnere som er bosatt i Bærum eller har tilknytning til kommunen, kan levere inn arbeider. BkiB har satt sammen en jury med eksterne kunstnere. Årets jury er; Pierre Lionel Matte, Esther Maria Bjørneboe og Juan Andres Milanes Benito.
Bærum kommunes Kunstpris vil bli delt ut til et verk på utstillingen.
Kommunens jury består av; Ana Maria Bresciani, Wenche Berg Olsen,
Berit Inger Øen og Bitte Skage.
Utstillingen åpnes av Berit Inger Øen, kultursjef i Bærum kommune.
Det blir musikkinnslag og lett servering.
Utstillingen er støttet av Bærum kommune.
Utstillingsperiode: 10.11.16 - 27.11.16
Åpningstider: torsdag: 16-19, lørdag/søndag: 12-16
BORDERS AND BOUNDARIES
Borders and Boundaries er en juryert årlig utstilling arrangert av
Bildende kunstnere i Bærum (BkiB). Alle profesjonelle kunstnere som er bosatt i Bærum eller har tilknytning til kommunen, kan levere inn arbeider. BkiB har satt sammen en jury med eksterne kunstnere. Årets jury er; Pierre Lionel Matte, Esther Maria Bjørneboe og Juan Andres Milanes Benito.
Bærum kommunes Kunstpris vil bli delt ut til et verk på utstillingen.
Kommunens jury består av; Ana Maria Bresciani, Wenche Berg Olsen,
Berit Inger Øen og Bitte Skage.
Utstillingen åpnes av Berit Inger Øen, kultursjef i Bærum kommune.
Det blir musikkinnslag og lett servering.
Utstillingen er støttet av Bærum kommune.
Utstillingsperiode: 10.11.16 - 27.11.16
Åpningstider: torsdag: 16-19, lørdag/søndag: 12-16
Ny utstilling - åpning torsdag 13. oktober 2016, kl. 18.00
Christine Istad, Anne Katrine Senstad og Anna Marit Staurset
Everything Else is Too Narrow
Kurator: Sarah Walko
Utstillingsperiode 13.10.16 - 30.10.16
Åpningstider: torsdag: 16 - 19, lørdag/søndag: 12 - 16
Christine Istad, Anne Katrine Senstad og Anna Marit Staurset
Everything Else is Too Narrow
Kurator: Sarah Walko
Utstillingsperiode 13.10.16 - 30.10.16
Åpningstider: torsdag: 16 - 19, lørdag/søndag: 12 - 16
| utstillingstekst_oktober.pdf |
Åpning torsdag 15. september 2016, kl. 18.00
Cathrine Ruud, Luca Andreotti, Siren Elise Dversnes Dahle, Mari Østby Kjøll og Yola Maria Tsolis
Utstillingsperiode 15.09.16 - 02.10.16
Artisttalk: 2. oktober kl. 14.00
Åpningstider: torsdag: 16 - 19, lørdag/søndag: 12 - 16
Cathrine Ruud, Luca Andreotti, Siren Elise Dversnes Dahle, Mari Østby Kjøll og Yola Maria Tsolis
Utstillingsperiode 15.09.16 - 02.10.16
Artisttalk: 2. oktober kl. 14.00
Åpningstider: torsdag: 16 - 19, lørdag/søndag: 12 - 16
| utstillingstekst_15._september.pdf |
Velkommen til utstilling i Bærum Kunsthall med Mirsad Begovic og Terje Roalkvam.
Åpning. 18. august 2016 kl. 18.00
Utstillingsperiode: 18. august - 4. september 2016
Åpningstider: torsdag: 16-19, lørdag/søndag: 12-16,
| mirsad_begovic_og_terje_roalkvam_tekst.docx |
Velkommen til utstilling i Bærum Kunsthall med Eva Kristin Berge, Alison Leggat, Lisbeth Moe Nilsen, Rus Mesic og Geza Janos Toth.
Åpning. 2. juni. 2016 kl. 18.00
Utstillingsperiode: 2. juni - 19. juni 2016
Kurator: Grethe Hald
| utstillingstekst2juni.pdf |
Velkommen til utstilling i Bærum Kunsthall med Charlotte Rostad, Ingvild Brekke Myklebust, Marianne Brekke, Nina Toft og Hilde Honerud
Åpning. 4. mai. 2016 kl. 18.00
Utstillingsperiode: 4. mai - 22. mai 2016
| utstillingstekst.pdf |
Dreams, schemes and (sins) scenes
Utstillingsperiode 07.04.16 - 24.04.16
Julio da Silva og Marian Heyerdahl "Dreams, schemes and (sins) scenes" er en del av en årlig rubrikk: "In other words", en serie utstillinger hvor kurator/kunstner (Silva) inviterer en eller flere kunstnere, for å etablere en dialog mellom egne arbeider, i kunsthallen. Bærum kunsthall ønsker å vise kunst og opplevelser som styres av ideer og uavhengighetfokus, heller enn av markeds og trendfokus.
Åpning 7. april kl. 18.00
Utstillingsperiode 07.04.16 - 24.04.16
Julio da Silva og Marian Heyerdahl "Dreams, schemes and (sins) scenes" er en del av en årlig rubrikk: "In other words", en serie utstillinger hvor kurator/kunstner (Silva) inviterer en eller flere kunstnere, for å etablere en dialog mellom egne arbeider, i kunsthallen. Bærum kunsthall ønsker å vise kunst og opplevelser som styres av ideer og uavhengighetfokus, heller enn av markeds og trendfokus.
Åpning 7. april kl. 18.00
| dreams_schemes_and__sins__scenes.pdf |
Coastal Cuts - Cato Løland og Folly of the Impure - Ine Harrang
Utstillingsperiode 10.03.16 - 23.07.16
I den nye serien Coastal Cuts viderefører Løland sin praksis der han utforsker kvaliteter og potensialer i ulike brukte tekstiler som tepper, gardiner, duker og klær. Metoder som klipp og lim, sampling og kjemiske prosesser brukes for å bygge arbeidene. Han jobber seg innover i materialitet, nærmest på ein arkeologisk måte, for å finne iboende kvaliteter og egenarter som han videre bygger opp eller bryter fra hverandre og setter i nye konstellasjoner med readymades eller elementer fra prosesser i atelieret.
I Ine Harrangs arbeider er glasset et del-medium for konseptbasert arbeid i materialitets randsone hvor hun ikke er opptatt hva glasskunst er, men hva det også kan være. Prosjektet vist ved Bærum Kunsthall er et resultat av et lengre samarbeid med hjerneforskere ved Universitetet i Amsterdam, og er basert på en fordypning i den neurologiske sammenhengen mellom transcendental aktivitet, ekstase og de kreative prosessene.
Åpning torsdag 10. mars, kl. 18.00
Utstillingsperiode 10.03.16 - 23.07.16
I den nye serien Coastal Cuts viderefører Løland sin praksis der han utforsker kvaliteter og potensialer i ulike brukte tekstiler som tepper, gardiner, duker og klær. Metoder som klipp og lim, sampling og kjemiske prosesser brukes for å bygge arbeidene. Han jobber seg innover i materialitet, nærmest på ein arkeologisk måte, for å finne iboende kvaliteter og egenarter som han videre bygger opp eller bryter fra hverandre og setter i nye konstellasjoner med readymades eller elementer fra prosesser i atelieret.
I Ine Harrangs arbeider er glasset et del-medium for konseptbasert arbeid i materialitets randsone hvor hun ikke er opptatt hva glasskunst er, men hva det også kan være. Prosjektet vist ved Bærum Kunsthall er et resultat av et lengre samarbeid med hjerneforskere ved Universitetet i Amsterdam, og er basert på en fordypning i den neurologiske sammenhengen mellom transcendental aktivitet, ekstase og de kreative prosessene.
Åpning torsdag 10. mars, kl. 18.00
Bertil Greging, Terje Uhrn,Ulf Valde-Jensen, Dag Leversby og Sigbjørn Bratlie.
Utstillingsperiode 11.02.16 - 28.02.16
Greging, Valde-Jensen, Leversby og Uhrn viser malerier med variert uttrykksregister – fra det strenge, formale til det fantasifulle og lekne. Enkelte av maleriene er direkte ekspressive, mens andre har en avmålt tilnærming.
Bratlie viser i denne utstillingen to ulike videoarbeider der han forfølger ideen om kommunikasjon på fremmede språk og utfordringer på grunn av manglende språkkunnskaper, dårlig grammatikk eller mangelfullt ordforråd.
Utstillingsperiode 11.02.16 - 28.02.16
Åpning torsdag 11. februar, kl. 18.00
Utstillingsperiode 11.02.16 - 28.02.16
Greging, Valde-Jensen, Leversby og Uhrn viser malerier med variert uttrykksregister – fra det strenge, formale til det fantasifulle og lekne. Enkelte av maleriene er direkte ekspressive, mens andre har en avmålt tilnærming.
Bratlie viser i denne utstillingen to ulike videoarbeider der han forfølger ideen om kommunikasjon på fremmede språk og utfordringer på grunn av manglende språkkunnskaper, dårlig grammatikk eller mangelfullt ordforråd.
Utstillingsperiode 11.02.16 - 28.02.16
Åpning torsdag 11. februar, kl. 18.00
Fragmentert helhet
Utstillingsperiode 14.01.16 - 30.01.16
Utstillingen viser verk av Kristin Nordhøy, Wenche Gulbransen, Kjell Varvin, Ulf Nilsen og Jan Christensen; kunstnere som arbeider i feltet mellom kaos og orden, mellom fragment og helhet.
Kurator: Sandra Lorentzen
Åpning 14. Januar kl. 18.00
Eva Schjølberg - "Numen" og Kari Anne Helleberg Bahri - "Close(d)"
Utstillingsperiode 08.10.15 - 08.11.15
Åpning 8. oktober kl. 18.00
|
|
BAK FASADEN. Sårbarhetens Landskap II.
Terje Bergstad, Stina Gellein, Martine Linge, Astrid Nondal, Anna Ring, Line Schjølberg, Lise Wulff, Dan Young
Kuratert av Hilde Mørch.
27.08.15 - 27.09.15 - Åpning 27. august kl. 18.00
Terje Bergstad, Stina Gellein, Martine Linge, Astrid Nondal, Anna Ring, Line Schjølberg, Lise Wulff, Dan Young
Kuratert av Hilde Mørch.
27.08.15 - 27.09.15 - Åpning 27. august kl. 18.00
Peacetime Resistance
Med kunstnerne Vigdis Storsveen (N), Selma Hreggviosdottir (IS), Kirsty Palmer (UK) og Guo-Liang Tan (SG)
13.august - 23.august - Åpning 13. august kl. 18.00
Med kunstnerne Vigdis Storsveen (N), Selma Hreggviosdottir (IS), Kirsty Palmer (UK) og Guo-Liang Tan (SG)
13.august - 23.august - Åpning 13. august kl. 18.00
| peacetime_resistance.pdf |
It´s what you see
Juan Andres Milanes Benito
13. mai - 14.juni - Åpning 13. mai kl. 18.00
Juan Andres Milanes Benito
13. mai - 14.juni - Åpning 13. mai kl. 18.00
Bærum kommunes kunstsamling
Med verk av:
Bertil Greging, Susanne Kathlen Mader, Janine Magelssen, Hanne Borchgrevink, Kjell Varvin og Marisa Ferriera
16. april - 10. mai - Åpning 16. april kl. 18.00
Med verk av:
Bertil Greging, Susanne Kathlen Mader, Janine Magelssen, Hanne Borchgrevink, Kjell Varvin og Marisa Ferriera
16. april - 10. mai - Åpning 16. april kl. 18.00
| presseskriv_bærum_kommunes_samling.pdf |
Ultima
Gjertrud Hals
26. febr - 26. mars - Åpning 26. februar kl. 18.00
Gjertrud Hals
26. febr - 26. mars - Åpning 26. februar kl. 18.00
| gjertrud_hals_i_bærum_kunsthall.pdf |
In other words
Tove Worum og Julio da Silva
15. jan - 15.febr - Åpning 15. januar kl. 18.00
Tove Worum og Julio da Silva
15. jan - 15.febr - Åpning 15. januar kl. 18.00
| pressemelding_julio_da_silva_og_tove_worum_.pdf |
Bak fasaden - Sårbarhetens landskap
20.nov - 4. jan - Åpning 20.november kl. 18.00
(Stengt 25.12., 26.12, 27.12., 28.12., 01.01.)
Med: Kristin Bjørseth, Sverre Hoel, Ana Maria Lopez, Pierre Lionel Matte, Rus Mesic, Zdenka Rusova
Kurator: Hilde Mørch
20.nov - 4. jan - Åpning 20.november kl. 18.00
(Stengt 25.12., 26.12, 27.12., 28.12., 01.01.)
Med: Kristin Bjørseth, Sverre Hoel, Ana Maria Lopez, Pierre Lionel Matte, Rus Mesic, Zdenka Rusova
Kurator: Hilde Mørch
Fem billedkunstnere fra BKiB, Kristin Bjørseth, Sverre Hoel, Ana Maria Lopez, Rus Mesic og Zdenka Rusova, og en invitert utenfra, Pierre Lionel Matte, viser i denne utstillingen verk som på ulikt vis belyser og nærmer seg sårbarhetsbegrepet. Menneskesyn, menneskeverd og ondskap utforskes og presenteres i ulike teknikker; video, skulptur, installasjon, tegning, litografi og klipparbeider i papir. Verkene problematiserer og konfronterer hva som skjer bak den skjøre fasaden og under det sårbare fernisset vi ofte kaller sivilisasjon – privat, offentlig og internasjonalt. Hvilket menneskesyn har vi? Hvordan praktiseres det? Hvilke mekanismer ligger til grunn for og inntreffer i enkeltindividet når det blir stilt overfor moralske og viktige valg? Hva forårsaker at noen sier ja, andre nei og atter andre forholder seg passive når ondskap begås? De seks billedkunstnerne representerer ulike generasjoner, og gir i sine verk poetiske og sterke uttrykk for mange av de sårbare landskapene mennesket romsterer i.
Informasjon om kunstnerne:
Kristin BJØRSETH (f. 196): Utdanning fra Kunstakademiet i Trondheim, Konsthögskolan i Stockholm og Villa Arson i Frankrike. Arbeider med video, videoinstallasjon, lyd, foto, performance og maleri. Har blant annet stilt ut i Kunstnernes hus, Henie-Onstad Kunstsenter og Bærum Kunstforening. Mottok Bærum kommunes kunstpris i 2013.
Sverre HOEL (f. 1941 i ): Utdanning fra SHKS i Oslo og Kunsthåndverksskolen i København. Arbeider med skulptur, installasjon, grafikk og tegning. Har blant annet stilt ut på Høstutstillingen, Østlandsutstillingen, i Galleri F15/Punkt Ø, Henie-Onstad Kunstsenter, NOoSpherer i New York, i Bærum Kunstforening, samt på Skulpturbiennalen og International Graphics Biennale i Taiwan. Har gjort mange utsmykkingsoppdrag. Innkjøpt av blant annet Bærum Kommune.
Ana Maria LOPEZ (f. 1969): Utdannelse fra Det Tverrfaglige Kunstinstitutt (DTK) i Bærum og Museo el Castillo, Medellin, Columbia. Arbeider med tegning, ”papercuts”, skulptur og installasjon. Har blant annet stilt ut i Tegnerforbundet i Oslo, Galleri Boa, Henie-Onstad Kunstsenter og i Bærum Kunstforening.
Pierre Lionel MATTE (f. 1961): Utdannelse fra Kunstakademiet i Trondheim og Einar Granum Kunstskole. Arbeider med video, tegning, maleri, skulptur, fotografi og installasjon. Har blant annet stilt ut i Museet for samtidskunst, Henie-Onstad Kunstsenter, Haugar Vestfold Kunstmuseum i Tønsberg, Kunstbanken på Hamar, Galleri F15/Punkt Ø, Tromsø Kunstforening og Bodø Kunstforening. Underviser ved Einar Granum Kunstskole og Nordland Kunst- og filmskole. Innkjøpt av blant annet Nasjonalmuseet, Norsk Kulturråd og Gardermoen Lufthavn.
Rus MESIC (f. 1956): Utdannelse fra Sarajevo National Academy of the Arts og Kunsthøgskolen i Oslo. Arbeider med installasjon, performance, tegning og objekter. Har blant annet stilt ut i Kristiansand Kunsthall, IKM, Mostar Art Gallery, Galleri BOA, Galleri F15/Punkt Ø, LNM og Galleri Heer. Underviser ved Tverrfaglig Kunstinstitutt (DTK) i Bærum.
Zdenka RUSOVA (f. 1939). Utdannelse fra Kunst- og håndverksskolen (kunstgymnas) i Praha og VSUP Kunsthåndverkhøyskolen i Praha. Arbeider med tegning og grafikk. Har blant annet stilt ut ved Henie-Onstad Kunstsenter, Kunstnernes Hus, Galleri F15/Punkt Ø, Bergen Kunstforening og Oslo Kunstforening. Hun var linjeleder ved Statens Kunstakademi i perioden 1987-95 og rektor samme sted 1987-92, som første kvinne i Norden med et slikt verv. Innkjøpt av blant annet Nasjonalmuseet i Praha, Nasjonalmuseet i Oslo, Henie-Onstad Kunstsenter, Stavanger Kunstmuseum, Bergen Kunstmuseum, Norsk Kulturråd, Bærum kommune og Kunst på arbeidsplassen.
Informasjon om kunstnerne:
Kristin BJØRSETH (f. 196): Utdanning fra Kunstakademiet i Trondheim, Konsthögskolan i Stockholm og Villa Arson i Frankrike. Arbeider med video, videoinstallasjon, lyd, foto, performance og maleri. Har blant annet stilt ut i Kunstnernes hus, Henie-Onstad Kunstsenter og Bærum Kunstforening. Mottok Bærum kommunes kunstpris i 2013.
Sverre HOEL (f. 1941 i ): Utdanning fra SHKS i Oslo og Kunsthåndverksskolen i København. Arbeider med skulptur, installasjon, grafikk og tegning. Har blant annet stilt ut på Høstutstillingen, Østlandsutstillingen, i Galleri F15/Punkt Ø, Henie-Onstad Kunstsenter, NOoSpherer i New York, i Bærum Kunstforening, samt på Skulpturbiennalen og International Graphics Biennale i Taiwan. Har gjort mange utsmykkingsoppdrag. Innkjøpt av blant annet Bærum Kommune.
Ana Maria LOPEZ (f. 1969): Utdannelse fra Det Tverrfaglige Kunstinstitutt (DTK) i Bærum og Museo el Castillo, Medellin, Columbia. Arbeider med tegning, ”papercuts”, skulptur og installasjon. Har blant annet stilt ut i Tegnerforbundet i Oslo, Galleri Boa, Henie-Onstad Kunstsenter og i Bærum Kunstforening.
Pierre Lionel MATTE (f. 1961): Utdannelse fra Kunstakademiet i Trondheim og Einar Granum Kunstskole. Arbeider med video, tegning, maleri, skulptur, fotografi og installasjon. Har blant annet stilt ut i Museet for samtidskunst, Henie-Onstad Kunstsenter, Haugar Vestfold Kunstmuseum i Tønsberg, Kunstbanken på Hamar, Galleri F15/Punkt Ø, Tromsø Kunstforening og Bodø Kunstforening. Underviser ved Einar Granum Kunstskole og Nordland Kunst- og filmskole. Innkjøpt av blant annet Nasjonalmuseet, Norsk Kulturråd og Gardermoen Lufthavn.
Rus MESIC (f. 1956): Utdannelse fra Sarajevo National Academy of the Arts og Kunsthøgskolen i Oslo. Arbeider med installasjon, performance, tegning og objekter. Har blant annet stilt ut i Kristiansand Kunsthall, IKM, Mostar Art Gallery, Galleri BOA, Galleri F15/Punkt Ø, LNM og Galleri Heer. Underviser ved Tverrfaglig Kunstinstitutt (DTK) i Bærum.
Zdenka RUSOVA (f. 1939). Utdannelse fra Kunst- og håndverksskolen (kunstgymnas) i Praha og VSUP Kunsthåndverkhøyskolen i Praha. Arbeider med tegning og grafikk. Har blant annet stilt ut ved Henie-Onstad Kunstsenter, Kunstnernes Hus, Galleri F15/Punkt Ø, Bergen Kunstforening og Oslo Kunstforening. Hun var linjeleder ved Statens Kunstakademi i perioden 1987-95 og rektor samme sted 1987-92, som første kvinne i Norden med et slikt verv. Innkjøpt av blant annet Nasjonalmuseet i Praha, Nasjonalmuseet i Oslo, Henie-Onstad Kunstsenter, Stavanger Kunstmuseum, Bergen Kunstmuseum, Norsk Kulturråd, Bærum kommune og Kunst på arbeidsplassen.
| pressemelding_bak_fasasaden.pdf |
Ole Lislerud
16. okt - 9.nov
Ole Lislerud er mest kjent for sine monumentale arbeider i tre dimensjoner som for eksempel Lovens Portal i Oslo Tinghus, Response, glassfasaden til Næringslivets Hovedkontor på Majorstua og skulpturen U&I i rustfritt stål i Tønsberg fra 2014. Men han jobber også med to-dimensjonale former og har de siste årene etablert seg som maler etter mange år som professor ved Kunsthøyskolen i Oslo.
Det er tegneren og maleren Ole Lislerud vi møter i den nyåpnede Bærum Kunsthall på Fornebu.
Tematisk handler utstillingen om feminisme i Kina og Norge og er en videreføring av prosjektet ”I shop Therefore I Am” tidligere presentert i Stenersenmuseet. Populærkultur, reklame og endrede samfunns forhold påvirker kvinner til utforskning av kvinnerollen.
Det er tegneren og maleren Ole Lislerud vi møter i den nyåpnede Bærum Kunsthall på Fornebu.
Tematisk handler utstillingen om feminisme i Kina og Norge og er en videreføring av prosjektet ”I shop Therefore I Am” tidligere presentert i Stenersenmuseet. Populærkultur, reklame og endrede samfunns forhold påvirker kvinner til utforskning av kvinnerollen.
