Utstillinger

Utstillingsperiode: 6. september – 30. september 2018

Holt - Stig Marlon Weston

Utstillingen Holt handler om å se med alle sansene og å la naturen overstyre det bevisste menneskelige blikket. I nattemørket, under lyset fra månen, har Weston utforsket stiene i Østmarka og brukt skogen som et utendørs mørkerom. Ved å henge opp analog film i store og små størrelser mellom trærne, kan landskapet eksponere seg selv. Rifter og merker fra greiner, kulde, fuktighet og skiftende værforhold blir like mye en del av bildene som trærnes form. Filmene fanger lyset og skyggene direkte uten at de går gjennom en linse eller et kamera. Når bildet på den måten lages av seg selv, fremstår arbeidene som et direkte avtrykk av de fysiske forholdene og den psykologiske opplevelsen av stedet. Utstillingen kan trekke assosiasjoner til vitenskapelige kjemi-prøver på papir eller minner som ikke kan ordlegges.

Ferdig fremkalt bruker Weston filmene til å lage kontaktkopier. Skyggene fra barnåler og trestammer blir da gjengitt i naturlig størrelse og opplevelsen av bildene gjenskaper den fysiske virkeligheten direkte, slik den kan oppleves der og da, uten beskrivende språk.

Stig Marlon Weston (f. 1974) har arbeidet som fotograf siden 1998, da han startet studiokollektivet CYAN studio i Oslo. Han har deltatt ved Høstutstillingen og Østlandsutstillingen og stilt ut internasjonalt. Prosjektet Holt sprang ut av et samarbeid med den tyske fotokunstneren Denise Winter.

Utstillingen er støttet av:
Norsk Fotografisk Fond

Uplands - Kristina Kvalvik

Som et kortspill utfolder landskapet seg i videoinstallasjonen Uplands. Tre ulike landskapsbilder settes opp mot hverandre og danner til sammen et imaginært landskap. Prosjektet handler om det arktiske landskapet og setter søkelys på et framtidig dystopisk univers. Tundraen er et fullstendig flatt område uten trær og ens fotspor setter avtrykk i århundrer. Lite kan overleve i dette høylandet, hvor distanse, skala og perspektiv oppløses. Hva er et liv i denne uendeligheten og hvem kan bo her?

I en rytmisk videoinstallasjon, hvor vi ser spor etter mennesker, aner vi en mystikk og poesi. Lyden er produsert av Pål H. Lillevold og kombinerer fiktive landskaps-lyder med en tidvis melodiøs klangbunn. Lydbildet er tungt og suggerende, man kan nesten føle hjerteslag på inn- og utpust. Bildene fremstår nærmest kroppslige, man kan ane ansikter i fjellene, naturen får en personlighet. Bildene dirrer og man får en følelse av at noe skal skje.

Kristina Kvalvik (f. 1980) har studert film og kunst i Norge, Sverige og Canada, og fullførte sin MFA ved Konsthögskolan i Malmø 2008. Hun har stilt ut ved en rekke institusjoner i både inn- og utland, blant annet ved Göteborg International Biennial for Contemporary Art (SE), Overgaden. Institut for Samtidskunst (DK), Galleria Muratcentoventidue (IT), CFF - Centrum för fotografi (SE) og Vigeland-Museet (NO).

Pål H. Lillevold (f. 1978) har bakgrunn fra musikk og lyd i ulike formater.

Utstillingen er støttet av:
Atelier Nord og Bildende Kunstneres Hjelpefond

Høsten og de døde roser - Kai Tormod Hansen

Skjønnheten og døden er evigvarende temaer i kunsten. Fotografier av døde planter, botanikkens høst, er tema for utstillingen Høsten og de døde roser. En større del av utstillingen er viet rosen. Rosen som er vakrest i blomstring er også fascinerende i forråtnelsen. Hver rose blir en nype. Hver nype henger blant tornene mens den sakte løses opp. Deres ulike former og farger blir presentert på en helt ny måte i disse bildene.

Serien om rosenes død er inspirert av Henrik Wergelands mange dikt om roser, som han skrev om på sitt dødsleie.

Kai Tormod Hansen (f. 1964) har base i Oslo. Han har lært fotografering gjennom workshops med en rekke norske og utenlandske fotografer. Hansen jobber hovedsakelig med naturfotografering av planter og blomster i studio . Han har vært med i en rekke separat- og gruppeutstillinger, blant annet ved Fotografiens Hus i Oslo (NO), Helsinki Fotofestival (FI) og Preus Fotomuseum (NO).

Utstillingsperiode: 2. august – 26. aug 2018

Vertical Variations - Michael Johansson

De siste årene har Johansson hatt som drivkraft å befri objekter fra sin funksjon. Gjennom repetisjon, forskyvning av perspektiv og nye funksjoner setter han spørsmålstegn ved betrakterens tolkning av det unike.

I utstillingen Vertical Variations på Bærum Kunsthall vises en serie verk som rommer komprimerte verdener fra en svunnen tid, og som med noen enkle grep stiller spørsmål rundt historie, liv og rom. Ved å føre inn velkjente gjenstander i ett nytt homogent system som snur og vrir på den opprinnelige meningen utforsker Johansson forskjellige måter å fortelle en historie på.

Michael Johansson er født 1975 i Trollhättan i Sverige og holder til i Berlin. Han tok etter studier på Kunstakademiet i Trondheim og Kunsthochschule Weissensee i Berlin sin mastereksamen på Konsthögskolan i Malmö i 2005. Han har de siste årene hatt en omfattende utstillingsvirksomhet både i Norden og utenlands, og har blant annet hatt separatutstillinger på Vigelandmuseet og Museum Voorlinden (NL), samt deltatt på utstillinger på Royal British Society of Sculptors (UK) og Moscow Museum of Modern Art (RU).

Denne utstillingen har fått støtte av Kulturrådet.

Constructive Melancholies - Fredrick Arnøy

Bakgrunnen for utstillingen “Constructive Melancholies” er Arnøys siste års arbeid med malerier av trekonstruksjoner. Det begynte med en merkverdig skulptur, satt sammen av planker, resirkulerte materialer og funnede gjenstander. Som om noen hadde mistet et helt hus i bakken, slik at det gikk i tusen biter, for så å sette det sammen igjen, blottet for byggtekniske prinsipper og blendet av desperasjonen, med et makeløst hjelpeløst resultat hvor huset har blitt til en faretruende hinderløype. Dens estetikk (skjønnhet definert gjennom funksjon) og den tilsynelatende enkle gesten ved å bruke huset som uttrykksform dannet grunnlaget for en motivkrets Arnøy har jobbet med siden.

Ved å innlede en dialog mellom de arkitektoniske elementene i bildene og rommet de henger i, ønsker han å skape et nytt poetisk rom, der formale og koloristiske problemstillinger utforskes og perspektiver lekes med. Fascinasjonen for huset som en metafor for en psykologisk tilstand er fortsatt tilstede, men oppstår i nye og annerledes former.

Fredrick Arnøy (f. 1989 i Haugesund) er utdannet fra Kunstakademiet i Oslo og Einar Granum kunstfagskole. Han har de siste årene vært bosatt i Oslo-området, hvor han blant annet har stilt ut på Trafo Kunsthall og som del av LNMs Unge inviterte. Grunnpilaren i arbeidene er ideen om hjemmet og alt den innebærer av traumer, dagdrømmer og andre minner. Arbeidene har gjerne et fravær av mennesker, men rommer likevel spor av nærvær og aktivitet. Enkelte av maleriene kan være veldig konkrete, i form av landskapsmotiver, hus og bygninger. Andre igjen er som bruddstykker av et minne, fragmenter av et hjem, en tilværelse i oppløsning.

Denne utstillingen har fått støtte av Kulturrådet.

OSS - Jannik Abel

En installasjon om kultur, relasjoner og menneskelighet.

Utstillingens kjerne er seks kortfilmer som kan minne om små dokumentariske kortfilmer, men som ikke avslører om de er spilt inn i sann tid eller er skapt etter manus. Undringen står igjen.
"Dypest sett er vi mennesker.
Vi vil ha ord for å vite at vi er sett. Vi vil ha de riktige ordene.
Når vi ikke føler oss sett, vil vi ikke ha noen ord i det hele tatt.
Da fortsetter vi heller vår indre samtale.
Indre samtaler som foregår i stillhet mens vi driver rundt i hverdagslige aktiviteter som ingen stiller spørsmål ved." Viktoria Spook-Fintl

Jannik Abel var født 1973 i Oslo. Abel studerte ved Kunstakademiene i San Francisco og har reist verden rundt for å skape og vise sine arbeider.Abel jobber i flere forskjellge medier, hun har fordypet seg i foto, film, silketrykk og nå sist trevirke. Temaer som går igjen i hennes arbeider er kultur, sårbarhet og arv både i mennesket og i naturen. Hun skaper verk og utstillinger som påminnelser om hvem vi er vi mennesker.
Jannik Abel jobber for tiden i og med skogen.

24. mai-10. juni

BÆRUMSUTSTILLINGEN 2018

Åpning torsdag 24. mai kl. 18.00

Gratis omvisning og artist talk søndag 27. mai.
Utstillingen står til og med søndag 10. juni.

Bærumsutstillingen er en juryert utstilling for kunstnere/kunsthåndverkere med tilknytning til Bærum, og arrangeres av Bildende Kunstnere i Bærum (BKiB). Juryen besto i år av billedkunstnerne Kjetil Skøien, Margarida Paiva og Vibeke Slyngstad

Bærum kommunes kunstpris deles ut på åpningen. Prisen skal være en påskjønnelse og stimulans for enkeltkunstnere eller grupper av kunstnere, som leverer det kunstverket til BKIBs årlige utstilling, som juryen mener bidrar til å skape kunstglede og opplevelse for kommunens innbyggere. Prisen er en æresbevisning i form av et diplom og kr 25 000, og deles ut for 19. gang. Vinneren får også tilbud om utstillingsplass i Bærum Kunsthall.

Medvirkende kunstnere: Christine Istad, Mona K. Lalim, Gitte Magnus, Tone Hagen, Dorthe Søndergaard Lange, Line Schjølberg, Glen Farley, Christine Stokke, Anne Bruflot, Nina Christine Angaard, Anna Marit Staurset, Ellen Synøve Holtskog, Billie Thackwell, Thea Andenæs, Hennie Ann Isdahl, Rolf Sverre Nielsen, Gerd Wangestad, Lilja Sighvatsdottir, Grethe Hald, Trude Madsen Viken, Cathrine Bjørklund Simensen, Cathrine Gehrken, Pippip Ferner, Anne Kari Ødegård, Grethe Ravnaas og Turid Gyllenhammar

Åpningstider: Onsdag - fredag 16 - 19. Lørdag - søndag 12 ‐ 16
Bærum Kunsthall ligger i Odd Nansens vei 19 i den gamle brannstasjonen på Fornebu. Ta buss 31 til Telenor Fornebu, derfra er det ca fem minutters gange i retning flytårnet. Én time gratis parkering ved Odonata Café vis avis kunsthallen

Ina Bache-Wiig - Double Trouble (detalj). Fargeblyant på papir

19. april - 13. mai 2018

Guilt by Association

Ina Bache-Wiig, Åsil Bøthun, Janine Magelssen, Michael O´Donnell
og Heidi Kennedy Skjerve
Kuratert av Tommy Johansson

Tegning, skulptur, veggobjekt, installasjon og maleri

Kunstnersamtale og finissage søndag 13. mai kl 14.00

Langt oftere enn mange liker å innrømme, vurderes kunst ut fra de mest overfladiske kriterier. Det er ikke bare snakk om tegning som ligner på foto, eller skulptur som imiterer luksuriøse merkevarer. Konseptuell kunst ligner også ofte på konseptuell kunst og politisk kunst på politisk kunst. Men bak stilistiske problemer og brysomme sjangre, kommer vi bare til et neste nivå av trøbbel: At noe fremstår som relevant eller irrelevant, godt eller vondt, vakkert, seksuelt, kritisk, intenst eller følsomt nettopp fordi det fremstår slik. Det er altså snakk om konkrete, fysiske tegn i en ditto konkret sammenheng. Langs disse linjene orienterer utstillingen seg etter verkenes fysiske, synlige forbindelser, dette som kalles overflatelikhet i lyrikken.
Utstillingen følger påstanden om at assosiasjon - vår uhelbredelige lyst og trang til å forbinde - er den mest fundamentale mekanismen og drivkraften i all kunstnerisk produksjon og tolkning, og at denne er knyttet til basale, mimetiske forhold. Guilt by Association er et uttrykk for en type feilslutning innen etikk og argumentasjonsteori som leder til forskyvninger av skyld, ansvar eller årsaksforhold - med ditto konsekvenser. Sammenhengen mellom etiske og estetiske sympatier er kompliserte. Hva som forbinder noe med noe annet, er i regelen bestemt av en tredje faktor.

Noen av verkene i utstillingen er prosess- eller fenomenbaserte og unngår tilsynelatende eksterne referanser eller bestemte assosiasjoner, mens andre gjør disse høyst virksomme og er slik sett mer diskursive. Begge disse tilnærmingene til kunst og verk har fallhøyde, men risikoen er av helt forskjellig art. Utstillingen flørter likevel åpent med ideen om at denne forskjellen er marginal og vilkårlig. Så det handler ikke bare om å skue hunden på hårene, men om å gjøre dette inngående og radikalt ukritisk.

Prosjektet vil senere komme ut i bokform, der utstillingen blir dokumentert og utforsket videre tematisk av kurator.

Om kunstnerne:

Ina Bache-Wiig (f.1989) er utdannet ved Kunstakademiet i Oslo. Hun jobber hovedsakelig med maleri, tegning og skulptur i et vidt tilfang av teknikker og tilnærminger. Bache-Wiig henter materiale fra ulike epoker og sjangre, med særlig referanser til middelalder, folkekunst og sosiale medier. Felles for arbeidene er motiver, komposisjoner og uttrykksjangre som relaterer seg til den sosiale risikoen ved det å bedømme noe estetisk - tett forbundet med muligheten av eksklusjon og straff.
Ina Bache-Wiig har deltatt flere ganger på Høstutstillingen, blitt kjøpt inn offentlig og har en kommende separatutstilling på LNM i Oslo, 2019.

Åsil Bøthun (f. 1971) sitt kunstnerskap er preget av estetisk finesse og et skarpt blikk for (den øvre) middelklassens flytende verdi- og gjenstandsverden. I arbeidet Tower of Love har hun kopiert esker av eksklusive varemerker og stablet disse oppå hverandre. Verket er en del av serien Rep-Lic-As som tar utgangspunkt i eksklusive designobjekter, alle nøyaktig kopiert i enkle materialer som papir og lim - typisk for måten hun jobber på. Utstillingstitler som Intentional Objects, Deluxe Family, I Always Wanted To Be Like You og Controlled Chaos – the complexity of middle class, angir et spenningsfelt av interesser for designhistorie, skjønnhet og begjær, kombinert med satiriske impulser og dype antropologiske spørsmål.
Åsil Bøthun bor og arbeider i Bergen. Etter endt utdanning ved Kunsthøgskolen i Oslo i 2002, har hun deltatt på over seksti utstillinger og mottatt priser både nasjonalt og internasjonalt. Hun arbeider for tiden som professor i skulptur og installasjon ved Fakultet for Kunst, Musikk og Design ved Universitetet i Bergen.

Janine Magelssen (f. 1964) arbeider i et abstrakt, redusert formspråk som adresserer opplevelsen av rom, volum, lys og materialenes egenskaper - spesielt forholdet mellom optisk og taktilt volum. Verkene er på forskjellige måter organisert av enkle grunnformer bygget opp av gesso, sparkel eller gips som er pusset. Komposisjonene kan være organisert som rytmiske vekselspill av positivt og negativt rom, andre ganger mer åpne strukturer, tablåer, ansamlinger eller grupper av skulpturelle objekter. Hun utforsker gjennomgående spenningen mellom berøring og syn, hvor betrakterens kropp og relative posisjon gis en sentral rolle.
Janine Magelssen har vært tilknyttet Kunsthøgskolen i Oslo og University of Colorado. Hun har blant annet stilt ut ved Trafo Kunsthall, Bærum Kunsthall, Charlottenborg Kunsthall, The Drawing Center, New York, USA og Art League (Houstoun, USA). Hun er kjøpt inn av Bærum Kommunes Kunstsamling, Norsk Kulturråd og Dronning Sonjas Kunstsamling.

Michael O´Donnell (f.1950) arbeider med skulpturell installasjon, tekst, foto og video gjennom et bredt spekter av materialer - fra stål, bronse og kobber til voks, gummi og lyspærer.
Verkene utforsker spesielt perspektiver og holdninger til døden, samt institusjonelle praksiser tilknyttet krig og offentlig avstraffing.
Michael O’Donnell er tidligere dekan og nå professor ved Kunstakademiet i Oslo. Han er utdannet ved Cardiff College of Art, Leeds College of Art og the Royal College of Art i London og har bodd og jobbet i Norge siden 1977. Han har lagt bak seg et femtitalls separatutstillinger i inn- og utland, en rekke bokutgivelser, arbeid i offentlig rom og internasjonale prosjekter - som Academy Without Walls i Zambia, Centre for Contemporary Art i Kabul, Afghanistan og det internasjonale kunstakademiet i Ramallah, Palestina.

Heidi Kennedy Skjerve (f.1954) jobber prosessbasert med tegning, tråd, akvarell og annet konstruert ut fra enkle, formale prinsipper. Sentralt står kombinasjonen av vertikale og horisontale linjer som utover i prosessen øker verkenes kompleksitetsgrad og intensitet. Arbeidsformen er ofte repetetiv og svært tidkrevende - utført på måter som forener arbeid, sporsetting og historie inn i komplekse strukturer. Hennes nyere arbeider forfølger samme grunnleggende utforskning av vertikale og horisontale linjer, men er mer fargesterke og optisk fortettede enn tidligere.
Heidi Kennedy Skjerve er utdannet ved Bergens kunsthåndtverkskole samt Kunstakademiet i Bergen og i Trondheim. Skjerve har en lang karriere bak seg med utstillinger i Norge og Europa, og er representert i private og offentlige samlinger, inkludert Nasjonalmuseet.

15. mars - 8. april 2018

Dawn av Lise Kolstad Yuen

Duoutstilling med Harald Fenn og Thomas Hestvold.

Lise Kolstad Yuen - Travel in the Mist

Dawn - Lise Kolstad Yuen
I Lise Kolstad Yuen sine romlige og skulpturelle arbeider spiller materialene en sentral rolle. Hun setter de ulike overflatenes farger, strukturer og taktilitet opp mot hverandre, og skaper kontraster mellom disse. Olje, glass, stål, epoxy og tyll balanseres mellom gjenkjennelige figurative elementer, og noe mer abstrakt og tvetydig.

I Bærum kunsthall viser hun fire arbeider der hun har tatt utgangspunkt i opplevelsen av tid og rytme. Titlene, som Travel in the Mist og White Ocean (II), inviterer til en poetisk og kontemplativ lesning av de abstrakte - og tidvis monumentale arbeidene, som kan gi assosiasjoner både til organisk natur og urban industri.

Lise Kolstad Yuen (f. 1964) bor og arbeider i Oslo. Hun har hovedfag fra Statens Håndverks- og Kunstindustriskole (Oslo). Kolstad Yuen bodde og arbeidet en lengre periode i Shanghai i Kina, der hun blant annet etablerte visningsstedet Creek Art Center.
Internasjonalt har Lise Kolstad Yuens arbeider blitt vist ved Nakanojo Biennale, Japan, Den 10. Shanghai- Biennalen, The Shanghai Museum of Glass, V-art Center, Shanghai og Halle 50, Munich. I Norge har Yuen stilt ut ved blant annet Oppland Kunstsenter, Henie Onstad Kunstsenter, Krypten (Oslo) og Elverum skogbruksmuseum.

Thomas Hestvold - Geo

Harald Fenn & Thomas Hestvold

«På slutten av 80-tallet, etter at det heftige maleriet hadde dominert kunstfeltet fullstendig i godt og vel ti år, var ville fakter og spontane gester blitt ufarbare veier for oss som fortsatt ville male. Men var det mer å hente i modernismens flatemaleri?» Dette spørsmålet ligger som klangbunn for både Fenns og Hestvolds maleriske praksis. I Bærum Kunsthall viser de hvordan de nærmer seg dette mulighetsfeltet på svært ulike måter.

Stemningslandskap og abstrakt maleri er ikke uforenelig i Harald Fenns kunst. Arbeidene trer frem som lysskimrende naturfremstillinger bak en grid av abstrakte, vertikale linjer og skaper en optisk, romlig virkning av ulike sjikt. Bruken av sprøytepistol skaper en glatt overflate uten spor av penselsstrøk. Maskeringsteip bidrar til de presist malte vertikale stripene. Arbeidene fremstår som abstrakte med et glimt inn til landskapskategorien; naturmotiver som finnes som et diffust spill mellom lys og skygge, som en truende bakgrunn, bak Fenns ordnede systemer av linjer.

I Thomas Hestvolds arbeider er den tradisjonelle slagmarken for maleriet, rektangelet, erstattet med organiske former som griper inn i, eller legger seg inntil hverandre. Ved å unngå rektangelet, understreker arbeidene seg selv som objekt eller kropp. Maleriene består av to eller flere elementer, der hvert element har en bunnfarge, og et sett linjer i en annen farge, påført med pensel.
Formene i arbeidene er hentet fra egne naturfotografier og fra kunsthistorien. Hestvold har spesielt interessert seg for Peder Balke, Caspar David Freidrich og amerikaneren Albert P. Ryder. Mens romantikerne forsøkte å gjenoppdage en tapt Gud i en uendelig natur, forsøker kanskje Hestvold å fastholde muligheten for å få tilfredsstilt et taktilt begjær ved å knytte arbeidene opp til en stadig mer truet natur.

Harald Fenn - Rimfrost

Harald Fenn (f. 1963, Oslo) har sin utdannelse fra Kunst- og Håndverkskolen i Oslo (1986-1990) og Statens Kunstakademi, Oslo (1990-1994). Harald Fenn er aktiv både i utstillings- og utsmykkingssammenheng. Han er representert i flere offentlige samlinger som Nasjonalmuseet, Astrup-Fearnley Museet og i mange store private samlinger.

Thomas Hestvold (f. 1957) bor og arbeider på Vestre Sandøya ved Tvedestrand. Han er utdannet ved Kunstakademiet i Trondheim, Vestlandets kunstakademi og School of Visual Arts, New York. Han har hatt separatutstillinger ved blant annet Galleri Wang, Galleri Dam, Galleri Sølvberget, Kunstnerforbundet, Bomuldsfabriken og Sørlandets Kunstmuseum. Hestvold har deltatt på gruppeutstillinger ved Museet for Samtidskunst, Kunstnernes Hus, Bomuldsfabriken, Kunstnerforbundet, Yerevan Moderen Art Museum i Armenia, Galleri F15, Sørlandets Kunstmuseum og Oslo Kunsthandel for å nevne noen. Hestvolds arbeider befinner seg i både offentlige og private samlinger som blant andre Nasjonalmuseet, Norsk kulturråd, Aust-Agder fylke, Olympiasamlingen, Rogaland Kunstmuseum og Sørlandets kunstmuseum. Hestvold har utført flere offentlige kunstoppdrag som ved Den norske ambassade i Brüssel, i Utenriksdepartementet, Bøler kirke og Kopervik kirke.

7. februar - 4. mars 2018

Forkledninger - Chan Hyo Bae, Elmgreen & Dragset, Trine Søndergaard

Utstillingen Forkledninger viser fotografier fra tre sentrale kunstnerskap: Chan Hyo Bae (fra seriene Existing in Costumes og Fairytales), Elmgreen & Dragset (fra Thorvaldsen-serien) og Trine Søndergaard (fra serien Strude).

Verkene som presenteres, behandler på ulike måter identitet, kjønn og kulturell tilhørighet med referanser til europeisk kunst- og kulturhistorie. Gjennom iscenesettelser av kjente eventyr, påkledning av nyklassisistiske marmorskulpturer, og i portretter av modeller i den danske Fanø-drakten, reiser disse kunstnerne på ulike måter spørsmål ved våre forestillinger om kjønn, identitet, historie og kultur, i en tid der klær og attributter både tilskriver og tilskrives verdier, og der plaggene vi ikler oss på samme tid skjuler og løfter frem våre individuelle særtrekk.

Verkene som stilles ut er lånt fra Statoil kunstsamling.
Utstillingen vil åpnes av leder for Statoil kunstprogram, Bjarne Våga, og kultursjef i Bærum kommune, Berit Inger Øen.

Elmgreen & Dragset - Ganymede (Shorts). Statoil kunstsamling

Om kunstnerne

Kunstnerduoen Michael Elmgreen (født 1961 i København) og Ingar Dragset (født 1969 i Trondheim) har jobbet sammen som kunstnere siden 1995. De bor og arbeider i Berlin. Duoen har markert seg internasjonalt med verk og installasjoner i grenseland mellom skulptur, arkitektur og design. Arbeidene deres vises jevnlig på utstillinger over hele verden.

Trine Søndergaard (f. 1972 på Grenå, Danmark) er billedkunstner og fotograf, utdannet ved Fatamorgana Fotografiske Billedkunstskole. Hun bor og arbeider i København, har mottatt flere kunstpriser og er kjøpt inn av museer og samlere internasjonalt.

Chan Hyo Bae (f. 1975 i Busan, Sør-Korea) er kunstfotograf og har studert ved Kyung-Sung University og Slade School of Fine Art. Han bor og arbeider i London, har deltatt på en rekke utstillinger internasjonalt og er representert i museumssamlinger i USA, Sør-Korea og Europa.

Åpning torsdag 4. januar kl. 18

Ana Rita Antonio - Evolutionary Thinking at the Camping Site
Endre Aalrust - Freedom of Impression
Lise Wulff - May the Future be a Friendly Place

Utstillingsperiode 4. - 28. januar 2018

Ana Rita Antonio - Evolutionary Thinking at the Camping Site
The Poetics of Miss Understanding (Chapter III)

Evolutionary Thinking at the Camping Site is part of an on-going project called The Poetics of Miss Understanding - a methodology in problem solving. It tells a story of a mountaineer that encounters a problem while camping- a hole in the inflatable mattress- This problem creates a chain reaction which results on several changes in the camping gear, at last resolving into a final solution, the inicial problem itself.

Endre Aalrust - Freedom of Impression
Endre Aalrust´s exhibition Freedom of Impression consists of oil paintings. His work relates to traditional genres like landscape, portrait and still life, but with an interest in silly jokes, kitsch and maudlin sentimentality, the paintings often fail to live up to standards of good taste and painterly conventions. The works in this exhibition refer to very different cultural phenomenons like "The creative class", Rhinoplasty, yoga and Claude Monet, but instead of being elements in a consistent narrative, the paintings seem to relate in a more associative way.

Lise Wulff - May the Future be a Friendly Place

Organically shaped objects are disperesed in the room. The objects are covered with maps - or rather pieces of maps - where roads, cities, lakes and mountains appear and disappear. The humanlike shapes might give associations to people on the move or unsheltered figures lying down. The human species have always been on the move. Driven by what? Necessity? Curiosity? Hope for a better future?

May the Future be a Friendly Place links history with the present and the future. The modern maps show areas linked to the routes where humans wandered some thousands of years ago. In the skin of the objects, the present is united with the start of our civilisation.

The maps make the human expansion around the world clearly visible. Knowing how our treatment of nature is pushing the limits of the Earth's capacity, the installation also bears in it connotations to the environmental challenges we are facing, and how that situation - if unsolved - will continue to cause continued migration waves in the future.

Åpning torsdag 30. november kl. 18

Hotel Occidental
- Johannes Engelsen Espedal

To my faraway friend
- Magnie Finnsdatter Nilsen

Verticalability
- Tammo Rist, Jon Lundell og Robert Connolly

Performance på åpningen:

Into the Void
- Robert Connolly

Artist Talk: Søndag 17.desember kl.14

Utstillingsperiode: 30.11 - 17.12.17
Åpningstider:Onsdag-fredag 16-19
lørdag-søndag 12-16

Alle prosjektene er støttet av Norsk Kulturråd

Verticalability

Tammo Rist, Robert Connolly and Jon Lundell
Verticalability - for et fint ord! Selv om det kanskje kun er med oss for et kort øyeblikk. Uansett om det finnes eller ikke, viser det en retning og en vei. Opp og ned, over og under, nederst og på toppen, det gode og det onde. For all del, det er efemerisk og ustabilt, og ikke laget for å bestå i evig tid. Hvem vil leve for alltid? Ikke oss, heller ikke du.

Man strever etter stjernene og lengre ut i universet, eller graver seg ned i jorda i mørke tunneler og huler. Ambisjonene virker ubegrenset, og finner sitt uttrykk i kraften som ble lært og levert fra de gamle helt siden Sirums tiden. Spørsmålet man stiller seg i dag derimot er om og når vi kan ta nytte av det eller om det kanskje allerede er for sent?

Tammo Rist. Etter sin utdanning ved Universität der Künste Berlin og Kunstakademie Düsseldorf flyttet Rist til Norge i 2006. Han har siden jobbet i kunstfeltet og deltatt i en rekke nasjonale og internasjonale utstillinger og prosjekter. I Bærum kunsthall viser han et utvalg av årets fotoarbeider. Digitale bilder, analoge mellom og storformat, med feil i alle ledd eller det motsatte, i trerammer, på papir og foran lys. Bilder av støv, av mennesker, båter og fly, samt selveste himmelen, takk Seba.

Jon Lundell er en kunstner som i hovedsak arbeider med fotografi, skulptur og dikt. Han har i de senere år deltatt i gruppeutstillinger ved blant annet Kunstnerforbundet, UKS, Ekely og Munch Museet. Lundell er også initiativtaker og leder for kunstfestivalen Hvitsten Salong.
I denne utstillingen bidrar Lundell med treskulpturer, fotografi og installasjon. Skulpturene vil prøve å fremheve den fantasifylte søken vi har når vi er i skogen. Fortellingene som vi er oppvokst med og som er førende når vi ser skapninger, utskudd og abstrakte feilvarer. Her får vi lov å lage våres eget univers. Vi har lov å slippe våres følelser fri å putte det inn i våres egenskapte og skrudde univers. Vi får lov å være lekne, barnslige, barnlige, uvoksent uvanlige.

Robert Connolly er en konseptuell kunstner som arbeider hovedsakelig med performance. Han var den første kunstneren som malte med sitt eget hår, og også den første kunstneren som kledde seg i klær laget av kjøtt, 30 år før Lady Gaga. Han har vært presentert på Franklin Furnace og The Danceteria, New York, ICA, London, på britisk nasjonal tv, University of Texas i Dallas, School of the Art Institute of Chicago, KHIO og Munch-museet, Oslo, Kulturhuset, Konstfack og KKH, Stockholm og over hele Europa.

Into the Void  - performance på åpningen av Robert Connolly
Den franske kunstneren Yves Klein hevdet at han hadde fløyet i en performance i 1960, i Connollys performance vil han flyte 5 meter opp og erobre den øvre atmosfæren og taket i galleriet.

.......................................................................

To my faraway friend

Magnie Finnsdatter Nilsen

Magnie Finnsdatter Nilsen (f. 1977 i Arendal) bor og arbeider i Oslo. Hun har en master i kunstfag fra Kunsthøgskolen i Oslo (2012). De siste årene har hun blant annet stilt ut på BLOKK (2016), Sørlandsutstillingen, Kampen Visningsrom (2015) og Agder Kunstsenter (2017).

FORVANDLINGEN AV ET ORDINÆRT STYKKE PAPIR
- om Magnie Finnsdatter Nilsens kunstverk i papir

Se godt på kunstverkene i papir du nå er omgitt av, for de kan komme til å forsvinne. Ved slutten av dagen, akkurat som når mørket faller på, vil det svarte blekket ha trukket så langt inn i den hvite papirmassen at det kollapser i en svart, utflytende substans. Kunstverket transformerer og ødelegger seg selv og kan aldri oppstå i den samme formen igjen. Kunstneren kan kontrollere noe av prosessen, men aldri forutsi nøyaktig hvordan den kommer til å utarte seg.
            Papir er et hverdagslig materiale, et uhøytidelig medium som kanskje lettere enn noe annet materiale kan ødelegges, resirkuleres og få tilbake sin opprinnelige form. Papiret som er brukt til de grønne, svarte og hvite arbeidene på vegg, er det papiret som ellers brukes for å lime innmaten til permene i ei bok. Dette er det eneste papiret i boka hvor det ikke står et eneste ord eller tegn. Det er den siden i boka du ikke legger merke til, som du blar raskt forbi for å komme til selve teksten. Men i disse kunstverkene er denne blanke tausheten gått løs på, med krølling, stryking, dypping, tegning. En fysisk og grisete prosess, en metode som angriper det stumme og språkløse og finner fram til en stemme gjennom papiret.
            Magnie Finnsdatter Nilsens prosessbaserte kunstverk i papir kan bringe tankene til et helt grunnleggende begrepsapparat som lys og mørke, kontroll og kaos, mening og meningsløshet. Dette synes å prege idéene i kunstverkene. Hva ligger i handlingen å krølle et papirark? Der tar språket slutt. Her oppstår historien.
            I noe som ligner topografiske kart, blir historien brettet ut over en hel vegg, en historie uten ord og språk, men med en kraftfull handling og en omstendelig prosess bak. Det sammenkrøllede papiret som siden er forsøkt brettet ut igjen, forteller om kaos og kontroll, om å kunne slippe noe løs for å finne fram til noe annet, noe nytt. Om å forsøke å finne fram i ulendt terreng. Helt siden oldtiden har mennesker forsøkt å vinne kontroll over og å kunne finne fram i uoversiktlige landskap ved å tegne kart. Det finnes tette forbindelser mellom kaos og kontroll, i våre stadige forsøk på å bringe kaos inn i kontrollerte former. Kanskje er dette grønne og svarte et forsøk på å la mening og meningsløshet eksistere side om side, slik det ellers gjør i menneskenes liv.

Mirjam Kristensen

.....................................................................

Hotel Occidental

Johannes Engelsen Espedal (f. 1988) bor og arbeider på Kapp, Østre Toten. I 2013 mottok han en mastergrad fra Kunsthøgskolen i Bergen. Han har blant annet hatt separatutstillinger ved Harpefoss Hotell (2017), Oppland kunstsenter (2016), Akershus kunstsenter (2016) og Tag Team, Bergen (2014).

«Midt i den ødelagte sivilisasjonen samler det gjenværende livet seg, for å begynne på nytt igjen i en annen tid.»*

Hotel Occidental er et sted ingen noensinne har sett, men som er fylt til randen av alle som har vært der. Det er ikke et bosted for mennesker, men en organisme med en lignende rik og lang fortid. Ingenting forsvinner fordi ingenting kan bestå.
Installasjonen gransker speilingene mellom minner om fortiden og tanker om fremtiden. Utgangspunkter for arbeidene er gjenstander som er uttømt for verdi og blitt hjemløse i tingenes verden: fra landbruksmaskiner til hensatte møbler. Underliggende historier og mulige fremtider danner utgangspunkt for assosiativt spill og formmessige spekulasjoner: Jeg leter etter linjer som kan forlenges, tråder som kan samles, helheter som kan etableres: «Hotel Occidental» kommer spøkelsesaktig til syne som en serie fryste bevegelser, en illusjon om orden i kaoset.

* W.G. Sebald om Hans Erich Nossacks prosatekst «Der Untergang» i essayet «Mellom historie og naturhistorie. Om den litterære beskrivelsen av total ødeleggelse», 1982. Til norsk ved Geir Pollen i W.G. Sebald: Campo Santo. Gyldendal, 2014.

Åpning torsdag 2. november kl. 18

Variations in folds

Marit Roland
Rina Charlott Lindgren

Kurator: Sandra Lorentzen

Finissage med Artist Talk: Søndag 19.november kl.14

Utstillingsperiode: 02.11 - 19.11.17
Åpningstider: Onsdag-fredag 16-19, lørdag-søndag 12-16

Marit Roland: Paper Drawing 21

Marit Roland (f. 1981 i Kristiansand) bor og arbeider i Oslo. I 2012 mottok hun en mastergrad fra Kunstakademiet i Trondheim (NTNU). Samme år ble hun tildelt Sparebanken Pluss og Sørlandets Kunstmuseums kunstnerpris for serien Paper Drawings (Papirtegninger). Hun har hatt en rekke separatutstillinger ved blant annet Blaafarveværket, Nyfossum (2017), Møre og Romsdal Kunstnersenter (2016), Museo D’Arte Contemporanea Villa Croce i Genova (2014), Tromsø kunstforening (2013) og Kristiansand Kunsthall (2013), samt deltatt i en rekke gruppeutstillinger, som ved Las Francesa i Valladolid (2017), Prosjekt Normanns (2016), Sørlandet Kunstmuseums jubileumsutstilling (2015), Høstutstillingen (2014) og Norsk Skupturbiennale (2013).

Rina Charlott Lindgren: Brettet komposisjon II

Rina Charlott Lindgren (f. 1983 i Tromsø) bor og arbeider i Lofoten. I 2011 fullførte Lindgren sin mastergrad ved Kunstakademiet i Trondheim. Hun har også studert ved Listahaskolinn i Reykjavik. Lindgren hadde sin debututstilling på The Boiler Room i 2013. Hun har hatt separatutstillinger ved Galleri Haaken (2017, 2016), Bodø Kunstforening (2015) og BLOKK (2015), samt deltatt ved en rekke gruppeutstillinger ved blant annet Nordic Contemporary i Paris (2017), Nordenfjeldske kunstindustrimuseum (2017), Teckningsmuseet i Laholm (2016), Bomuldsfabriken Kunsthall (2016), Nordnorsk Kunstmuseum (2016, 2014 og 2012), Prosjektrom Normanns (2012) og Høstutstillingen (2013).

Papir er et ømfintlig materiale, forgjengelig og sensitiv til omgivelsene. Allikevel har kunstnere i flere generasjoner valgt papiret til å skape sin illusjon.

I november viser Bærum Kunsthall en utstilling med Marit Roland og Rina Charlott Lindgren. Begge kunstnere er utdannet innenfor en tradisjonell tegnepraksis, men viser en mer eksperimentell tilnærming til papirarbeider.

Papirets evne til forandring utforskes gjennom bretting og krølling. Roland skaper stedsspesifikke og tilnærmet organiske installasjoner, hvor papiret brukes til fysisk å tegne seg inn i rommet, mens Lindgren bruker effekten av forsiktig brettede og krøllete papir som visuelle elementer i motivet. Papiret er ikke lengre kun en flate å tegne på, men også et materiale å tegne med.

Utstillingstittelen gir assosiasjoner til Gilles Deleuze sin bok The Fold: Leibniz and the Baroque fra 1988 hvor han fordyper seg i ”barokkfolden”. Hver krøll eller brett påvirker materialet, og skaper nye former og uttrykk. Å brette papiret ut igjen er ikke det motsatte eller en fjerning av folden, men en fortsettelse eller forlengelse av dens virke, i følge Deleuze. Folden inviterer til utforskning og transformering, og vekker en nysgjerrighet hos oss som betraktere hvorhen vi befinner oss i folden.

Verkene leder oss til tanker om naturen og det forgjengelige. I Lindgrens serie Solgløtt ser vi et vakkert utsnitt av naturen, som med ett kan bli borte idet solen i motivet forsvinner og de mørke brettene i papiret suger det inn. Papiret kan igjen brettes sammen og motivet blir usynlig for oss.

Etter hver utstilling demonterer Roland sine installasjoner og papiret sendes til resirkulering. Kraftpapiret, som for en kort periode blir opphøyet til kunst, får nå et nytt liv.

Sandra Lorentzen
Kurator ved Blaafarveværket

Åpning lørdag 14. Oktober kl. 13

Bærumsutstillingen: Syklus

- en juryert gruppeutstilling i regi av Bildende Kunstnere i Bærum BKiB
Juryen besto av tre eksterne kunstnere, Tiril Schrøder, Stein Koksvik og Javier Barrios.

Utstillingsperiode: 14.10.17 - 29.10.17

Gratis omvisning: 22. og 29. oktober kl. 14-15

Åpningstider: Onsdag-fredag 16-19, lørdag-søndag 12-16

De antatte i år er:
Sunniva Krafft, Sverre Hoel, Cathrine Gehrken, Anne Kristin Hagesæther, Margrethe Iren Pettersen, Toril Rygh, Monica Risvik, Heidi Glattre, Tone Hagen, Anne Bruflot, Anne Liv Skjeggedal, Mona K. Lalim, Turid Gyllenhammar, Erik Fagerheim Kalsås, Heidi Grindheim, Marianne Broch, Kjersti Austdal, Emmy Harnes, Karin Høie, Lise Wulff, Jes Dombernowsky, Turi Juve, Tobbe Malm, Tina Lindvall og Ana Maria Lopez

Årets tema: Syklus
- livshjul - sirkel - trender - kropp - natur - perpetuum mobilie - matematikk - poesi - rytme - musikk...

Gratulerer til Tina Lindvall som vant Bærum Kommunes Kunstpris 2017

Bærum kommunes kunstpris
ble delt ut på åpningen. Prisen skal være en påskjønnelse og stimulans for enkelt-kunstnere eller grupper av kunstnere, som leverer det kunstverket til BKIBs årlige utstilling, som juryen mener bidrar til å skape kunstglede og opplevelse for kommunens innbyggere. Prisen er en æresbevisning i form av et diplom og 25 000kr. Prisen deles ut for 18. gang i år.

Vi ønsker også alle velkommen til gratis omvisning
søndag. 22. og 29. oktober kl. 14-15
Utstillingen formidles (på norsk) av Christian Danielewitz

Christian Danielewitz (f. 1978) er en dansk kunstner utdannet fra Det Kongelige Danske Kunstakademi i 2009. Han arbeider med foto, film og skulptur, og har utstilt bredt i inn- og utland. Hans verker er representert på HEART - Herning Museum of Contemporary Art og i Statens Kunstfonds samling (DK). I 2015 mottok han Niels Wessel Bagges Hæderslegat.

www.christiandanielewitz.dk

Åpning torsdag 31.august kl. 18

Peter Mohall
Maina Movig
Thea Andenæs
Unn Fahlstrøm
Rosemary Hogarth

Artist Talk: Søndag 3.september kl.14

Utstillingsperiode: 31.08.17 - 24.09.17
Åpningstider: Onsdag-fredag 16-19, lørdag-søndag 12-16

Peter Mohall
Maleriserien Brushstrokes er en del av Mohalls medium-spesifikke arbeid om maleriet. Brushstrokes stiller spørsmål om malerisk autensitet og undersøker estetisk konsekvens av repetisjon. Det mekaniske repetitive, stilles opp mot det gesturale, unike. Avstøp av penselstrøk resulterer i komposisjoner bestående av at flertall identiske penselstrøk, en tilnærmelse mot en malerisk umulighet, et emne som ofte gjentaes i Mohalls øvrige arbeider.

Peter Mohall (f.1979) bor og arbeider på Nesodden. Han er utdannet ved Statens Kunstakademi i Oslo. Tidligere separatutstillinger inkluderer Code art Fair i København, Fondazione 107 og Luce Gallery i Torino, Varl Bernes Prosjektrom, LNM, Galleri BOA og ONO i Oslo samt Galleri Jacob Bjørn i Aarhus og Galleri Mors Mössa i Göteborg. Tidligere gruppeutstillinger inkluderer Huset for Kunst og Design i Holstebro, Armory Show i New York, Soyuz i Pescara og Palazzo Fruscione i Salerno. Han ble tildelt Trotzigs stipend i 2015 av Malmö Konstmuseum.

©Lucegallery

Maina Movig
Repetisjon - videreføring - begynne på nytt. Movigs arbeider består av gjentagelser, blyantstrek på papir innenfor et gitt format, rektangelet. Her refererer hun til at grekerne gjorde geometrien til en formell vitenskap med presise definisjoner og regler. Repetisjon og serialitet er alltid tilstede i Movigs arbeider, hun er sterkt influert av minimalisme og refererer til kunstnere som Agnes Martin og Sol le Witt. Ofte fokuserer Movig på mellomrommene der man selv må finne betydningen, og hun forteller at gjennomføringen er meditativ og metodisk. Hennes tilstedeværelse gjennom prosessen gir et organisk uttrykk til arbeidet, som har en renhet og en mykhet i et stillferdig uttrykk hvor Movig berører det uberørte som ligger foran oss.

Maina Movig (f.1949, Oslo) har sin utdannelse fra Høyskolen for estetiske fag - tekstil, den gamle Industriskolen og Nydalen Tegne- og maleskole. Hun er med i kunstnergruppen F36 og sitter i styret i Det Gule Huset i Asker og i Det Kunstneriske Råd. Movig er medlem av BOA, NBK, BKiB og ABK og er innkjøpt av Bærum Kommune og av Dronning Sonja ( i samarbeid med F36) i 2015 ble hun tildelt Bærum Kommunes kunstpris med prosjektet In Between.

Thea Andenæs
Andenæs viser malerier, og skulpturer i glass som befinner seg i et abstrakt formspråk der sanselighet og fornemmelse står sentralt. Maleriene består av bearbeidet lin, ofte farget og malt med akryl og blekk. Glasskulpturene er et samarbeid med Magnor Glassverk og tar utgangspunkt i organiske former som Andenæs har jobbet med tidligere.
Kunstneren undersøker materialenes sanselighet og deres iboende egenskaper, i forsøk på å trigge de sensitive egenskapene, skjerpe sansene, forstyrre følelsene og fremme opplevelsen av presens.

Thea Andenæs (f. 1973) er utdannet billedkunstner og siviløkonom, med BA fra KHiO og siv.øk fra BI. Hun arbeider med maleri, skulptur og installasjon. Bakgrunnen gir en tverrfaglighet som gjenspeiles i hennes interdisiplinære fremgangsmåte og ukonvensjonelle bredde i teknikker og materialvalg. Andenæs har deltatt på flere gruppeutstillinger, juryerte utstillinger og sist separatutstilling på Galleri Semmingsen på Tjuvholmen i Oslo.

Unn Fahlstrøm
Fahlstrøm viser nye arbeider, blant dem deler av tittelseriene Blindgjenger og Planetes. Blindgjenger reiser spørsmål relatert til avvik og omveier, tittelen refererer til noe som har forlatt veien til sitt opprinnelige mål, men som stadig er i bevegelse: hva vil det si å ta en annen vei? Arbeidene Planetes refererer til den konstante bevegelse og vandring som alle kropper er en del av. På tysk har Planetes to oversettelser, umherirren og umherschweifen som er to veldig spesifikke varianter av å vandre uten å ha et mål. Serien undersøker hvordan målløs vandring er en permanent tilstand.

Unn Fahlstrøm (f. 1975, Daegu, Sør-Korea) er utdannet ved Statens kunstakademi og er blant annet representert i samlingene til Bergen Kunstmuseum, Nasjonalmuseet, Statoil og Nordea. Fahlstrøm har mottatt opp til flere priser og stipender og
blant hennes siste separatutstillinger kan nevnes Unfasten threads, tête, Berlin og Time wanderer - Erratiker, Kunstpflug, Baitz.

Rosemary Hogarth
Hogarths arbeider tester grenser for abstraksjon. Påvirket av industriens og virksomhetens estetikk, samt elementene i modernistisk skulptur og maleri, bruker hun en rekke forskjellige materialer for å undersøke hvor noe slutter å være abstrakt og begynner å bli gjenkjennelig.

Rosemary Hogarth (f.1983, Glasgow) studerte maleri ved Glasgow Shool of Art og har en mastergrad fra University of Glasgow. I 2014 fikk hun Goldrausch Scolarship for Women Artists i Berlin, og har siden.bodd og jobbet i Berlin. Nylige soloutstillinger har inkludert Practical Abstraction på Glasgow Project Room og Grey Literature på RAKE i Trondheim.

Torsdag 24. august kl. 18

MELP – mennesker er laget av porselen

Regi og koreografi: Liavaag/Lindberg
Produsenter: Liavaag/Lindberg

«MELP – mennesker er laget av porselen» er et tverrestetisk, scenekunstprosjekt av kompaniet Liavaag/Lindberg. I MELP møter du et uraffinert univers, som viser deg det uperfekte ved mennesket. Forestillingen er et fragmentarium av koreografiske øyeblikksbilder som skildrer de forskjellige overgangene livet består av. Den er også en lek i konstruksjon og dekonstruksjon av kropp. Sammen med live samtidsmusikk skapes en fysisk rå, poetisk og audiovisuell forestilling.

Forestillingen varer i 40 minutter

Kostyme: Siri Hjoth
Scenografi: Vigdis Storsveen, Nikolai Lieblein Røsæg
Komponister: Martin Rane Bauck, Vilde&Inga
Musikere: Vilde&Inga
Lyddesigner: Sindre Bergsvik Øvstegård
Medskapende utøvere: Håkon Vadstein, Ingrid Liavaag, Vibeke Vigeland

Forestillingen "MELP - mennesker er laget av porselen" er en del av Flash-arrangementene til Bærum Kunsthall. I tillegg til Bærum Kunsthalls fast utstillingsprogram ønsker vi å invitere publikum til flere flash arrangementer hvor vi presenterer forestillinger, performances, screenings, konserter og forelesninger.

Forestillingen er støtte av Glasslåven Kunstsenter, Norsk Kulturråd, Oppland Fylkeskommune og Norsk Skuespillerforbund

Torsdag 10. august kl. 18 - 21

(Jeg går en tur med kua) Grålin, feat. Minimoo, Vincent Velur og Tina Lindvall

Som er del av vårt Flash-program, ser vi frem til å presentere dette søsterprosjektet til
"Jeg går en tur med kua" av Steinar Laumann.

Våren 2017 ble Tina Lindvall invitert av Steinar Laumann til å gjøre et søsterprosjekt til hans kunstprosjekt "Jeg går en tur med kua". Lindvall ble invitert til å arbeide ut fra lyden som livestreames fra hjemmesiden - mens Laumann går i fotsporene på de gamle driftekarene, sammen med Kua Grålin.
Ved ørene til Grålin er det påmontert to små mikrofoner som gjør et kontinuerlig opptak av hennes omgivelser på denne turen, og livestreames via hjemmesiden garenturmedkua.no. Dette var grunnlaget for prosjektet.

Lindvall har invitert med seg musiker og lydkunstner Audun Kjeldahl Berntsen - aka Vincent Velur. I deres prosjekt arbeider Lindvall med en installasjon med videoprojeksjoner og Kjeldahl Berntsen med lyd.
Berntsen har bearbeidet opptak fra livestreamingen, og skapt et kronologisk lydverk, som han, Vincent Velur, med gjester, innimellom skal spille live ovenpå denne kvelden. Sammen håper vi på en tre timer lang og stemningsfull symbiose av lydbilder, impro, hygge og litt uhygge.

Audun Kjeldahl Berntsen og Tina Lindvall er begge basert i Oslo. De har tidligere arbeidet sammen i forbindelse med Lindvalls videoer, samt hennes siste separatutstilling, hvor Berntsen med sin støy/jazz impro-trio; Street Fajita, spilte live på hennes åpning og satte selve lydbildet til installasjonen.

Tina Lindvall (f. 1976) er utdannet billedkunstner, med BA fra kunstakademiet i Tromsø og MFA fra KHiO. Hun arbeider oftest med installasjon, skulptur og videoprojeksjon. Lindvall har deltatt på flere gruppeutstillinger og juryerte utstillinger i Norden og har hatt sine seneste saparatutstillinger på Prosjektrom Carl Berner i Oslo og Galleri Snerk i Tromsø (2016)

Audun Kjeldahl Berntsen, aka Vincent Velur (f.1986) spiller i hovedsak orgel, piano og div. synter (lyd/effekter) Han er bl.a. med i band/musikkprosjekter som Baba Soul & The Professors of Funk, Street Fajita og Bernard Briis Band. Mr. Velur er et musikalsk multitalent uten like og "...kunne gitt ut ei ny skive hver dag." Sitat: - Espen Fladmoe Wolmer

Velkommen til vår One Night Only!

Foto av Trygve Snøtun

Steinar Laumann er kunstner. Han jobber som fjell- & brefører, og har gått 3 ganger over Grønlandsisen. Når han med sine assosierte, inspirert av de gamle driftekarene, i juni d.å. la ut på en tre måneder lang gåtur—fra Stryn til Oslo—med en vestlandsk fjordku med navnet Grålin, er det med en viss godmodighet, men uten ironi. Turen er for lang og for krevende-

garenturmedkua.no
Facebook

Åpning torsdag 1. juni kl. 18

Lost Paradise - Wenche Kvalstad Eckhoff
Psykologisk landskap - Ole Henrik Hagen
Efterdyning - Matilda Höög

Utstillingsperiode 01.06.17 - 18.06.17
Åpningstider: torsdag: kl.16 - 19, lørdag - søndag: kl.12 - 16

Torso

Matilda Höög (f. 1980, Stockholm), utdannet ved Kunstakademiet i Trondheim 2009-2012 (bachelor i fri kunst) og Kunstakademiet i Oslo 2012-2014 (master i fri kunst). Höög har stilt ut på bl.a Tegnebiennalen, Høstutstillingen og har hatt flere separatutstillinger rundt om i landet, samt vist filmverk på festivaler som Kortfilmfestivalen i Grimstad og Minimalen i Trondheim. Kunstneren bor og virker i Oslo.

Efterdyning - Matilda Höög

Jeg jobber for tiden i hovedsak med tegning. Teknikken er svipenn på tre, noe som tar tid og krever et fokus som jeg liker godt. Det går ikke å viske ut noe eller ta et skritt tilbake, og på den måten minner det litt om akvarellmaleri. Jeg har alltid et foto som original, som jeg ser på. Det er bilder jeg først og fremst finner på nettet. Søket er ganske intuitivt. Et søkeord fører meg videre til andre bilder og assosiasjoner, og jeg sparer de funn som appellerer til meg, uten å tenke så mye på hvorfor. Å tolke og forsøke å skjønne hva det er jeg finner tiltrekkende, venter jeg med til etter jeg er ferdig med et bilde. Jeg tar også selv foto av detaljer i min hverdag.

En del temaer er sentrale for meg. Sårhet, melankoli, fravær og mangel på noe man ikke helt vet hva er. Selv om det kan virke mørkt finnes håp tilstede og en følelse av overlevelseskraft.

Sepia-tonen som oppstår i det brente treet har noe veldig nostalgisk over seg, bildene kan lett bli litt for romantiske, beroende på motiv. Det er noe jeg jobber med og i mot. Jeg vil skape en dynamikk mellom svipennen - som kan gi assosiasjoner til barneskole og sløyd - og bildet, der der motivet blir sterkt av teknikken og ikke faller i fellen for å bli kjisjéartet.

Utstillingen Efterdyning er støttet av BKV Prosjektstøtte.

Ole Henrik Hagen (f.1955, Oslo), bor og arbeider i Hamburg/DE. Utdannet ved SHKs Oslo og HdK Berlin. Han har bl.a. hatt separatutstilling på Kunstforeningen, LNM og Tegnerforbundet i Oslo. Hagen var med i kunstnergruppen Lambretta. Han har hatt utstillinger i Tokio, Shanghai og har deltatt på en rekke gruppeutstillinger i inn og utland. Han har bl.a. vært på Artist in residence OCA PlattformChina og har mottatt flere stipender. Hagen er innkjøpt av bl.a.. Norsk Kulturråd og Berliner Bank/DE.

Psykologisk landskap - Ole Henrik Hagen

Tittelen er hentet fra novellesamlingen Vermilion Sands, skrevet av J. G. Ballard: "Psykologisk landskap" beskriver et landskap, sitat: "full of share of dreams and illutions, fears and fantasies. I like to think, that it celebrates the neglected virtues of the glossy, lurid and bizarre."

Å beskjeftige seg med maleri vil si å bevege seg i grenseområdet mellom det å fremstille virkeligheten og det å skape virkelighet. Oppstår bildet eller blir det skapt? Hva oppstår i hjernen, hva blir til i hånden og hva dannes på lerretet?

Jeg arbeider ut i fra et eget arkiv som er samlet sammen over lang tid og som stadig utvikles, et åpent billedkunstnerlig alfabet, hvor elementene kan kombineres og remikses på mange forskjellige måter. Fokus er rettet mot historier og fortellinger som er skjult i fenomenet hverdagens kultur, gjenstander hvor et "tidligere liv" er innskrevet, som i leker, tegneseriefigurer, pyntegjenstander, utstoppede dyr og andre bimorfiske, ikke-animerte vesener, funnet på gata, markeder, tivoli, eller offentlige plasser, hvor disse historiene er innskrevet. Ideen bak er på min måte å utforske karakter, formål og poetiske dimmensjoner ved disse objektene. I mine malerier tar disse en egen selvstendig eksistens, og pendler mellom kjent og fremmed, sårbart og uhyggelig.

Lost Paradise - Wenche Kvalstad Eckhoff

Utstillingen i Bærum Kunsthall vil bestå av en installasjon i rommet og veggarbeider i ulike teknikker.
Arkitektur og rom, hjem og identitet er utgangspunktet for mange av mine arbeider, enten det dreier seg om større installasjoner i landskap, eller bilder og mindre skulpturelle objekter. Inntrykk fra reiser, landskapet jeg befinner meg i, byers visuelle uro, det urbane landskap som er i stadig forandring,miljøer som blir borte og minner som går tapt. Dette er tema jeg stadig vender tilbake til.

Wenche Kvalstad Eckhoff (f.1946, Stange), bor og arbeider i Oslo. Hun har utdannelse fra Ealing School of Art, London, Statens håndverk- og kunstindustriskole og Statens Kunstakademi, Oslo. Kunstneren har hatt en rekke separatutstillinger siden 1970. Hun har deltatt på flere gruppeutstillinger og juryerte utstillinger, bl.a. Høstutstillingen. Eckhoff har vært arrangørkunstner og kunstner i større landartprosjekter i Norge og utlandet siden 1989, og hun har utført flere utsmykningsoppdrag, både offentlige og private. Hun har mottatt en rekke stipender, GMI fra 1996. Eckhoff er innkjøpt av bl.a. Norsk Kulturråd, Oslo Kommunes kunstsamlinger og NRK.

Åpning torsdag 4. mai kl. 18:00

Vet du ikke det?
Jeg trodde du var en velutdannet kvinne.

Urd J. Pedersen
Liv Ertzeid

Utstillingsperiode 04.05.17 - 21.05.17

Åpningstider: torsdag: kl.16 - 19, lørdag - søndag: kl.12 - 16

URD
Jeg lager store tekstfragmenter i tresnitt som jeg trykker på bildene før jeg maler med olje over. Tekstene er fra sanger jeg har skrevet, eller ting jeg har sett og hørt: gode og dårlige råd. Til denne utstillingen fokuserer jeg på tekster som omringer oss på alle fronter, og som er både magisk, men også helt tømt for innhold, for eksempel «Home Sweet Home».

LIV
Praksisen min er studiobasert.
Jeg jobber hovedsakelig med maleri i ulike formater samt treskulpturer. Maleriene varierer i størrelse fra veldig små (18×24cm) til ganske store (140×370cm) Jeg er interessert i gjentagelse og begrensninger. Gjentakelse kan være repetisjon av en bevegelse, eller av er helt arbeid. Jeg lager ofte regler i forkant, f.eks. hvilke farger som er lov og ikke. Til denne utstillingen har jeg jobbet med gjentakelse.

...................................................................................................

BIO

Urd J. Pedersen (f. 1989 i Stavanger) tar for tiden master på Kunstakademiet i Oslo. Hun jobber med maleri og musikkperformance. Hun har vist arbeid på Kazachenkos’s Apartment, Kunstnernes Hus, Akershus Kunstsenter, galleri SCHLOSS og Not Fair, Warszawa. Sammen med Liv Ertzeid driver hun et båtgalleri i Oslo, som heter Slursula.

I sommer skal hun stille ut på QB gallery, 08.06.–03.07.) I juni åpner et samarbeidsprosjekt med Calle Segelberg i forbindelse med «Wildlife» i Nesoddparken – en ny skulpturpark i regi av kunstnergruppen Nikotin.

Liv Ertzeid (f.1986 i Lørenskog) tar for tiden en master ved Kunstakademiet i Oslo. Hun jobber med maleri og skulptur. Hun har tidligere vist arbeider på blant annet Kunstnernes Hus, Tegnebiennalen, Podium og Petter Dass Museet. Sammen med Urd J. Pedersen driver hun båtgalleriet Slursula i Oslo.

Åpning torsdag 6. april 2017, kl. 18:00

Thomas Rummelhoff
france rose hartline fra Art[]Gender[]Art
Synnøve Sizou G. Wetten
Dorthe Søndergaard

Kuratert av: Ellen Marie Blakstad Paus

Utstillingsperiode 06.04.17 - 27.04.17
Vi har åpent i påsken!

Artisttalk:søndag 23.april kl. 14

Åpningstider: torsdag: kl. 16 - 19, lørdag - søndag: kl. 12 - 16

france_rose_hartline.pdf
File Size:	7 kb
File Type:	pdf

Åpning torsdag 2. mars 2017, kl. 18.00Tine AamodtDanuta Haremska​Utstillingsperiode 02.03.17 - 26.03.17​Artisttalk: Torsdag 16. mars: kl. 13Åpningstider: torsdag: 16 - 19, lørdag - søndag: 12 - 16

Ole Lislerud16. okt - 9.nov

Åpning torsdag 2. mars 2017, kl. 18.00

Tine Aamodt
Danuta Haremska

Utstillingsperiode 02.03.17 - 26.03.17
Artisttalk: Torsdag 16. mars: kl. 13
Åpningstider: torsdag: 16 - 19, lørdag - søndag: 12 - 16

Ole Lislerud
16. okt - 9.nov